Oscary to nie tylko błyszczące, metalowe krążki. Są dowodem na przetrwanie. Dowód na to, że występ może pozostać w pamięci na długo po napisach końcowych.
Przez dziesięciolecia Oscary były najwyższym wyróżnieniem w kinie. Ale za czerwonymi dywanami i przemówieniami kryje się pewna grupa mężczyzn, których praca przyniosła coś więcej niż tylko przyniesienie im trofeów. Zmieniła branżę. Zmieniła sposób, w jaki postrzegamy naszych bohaterów. Zmieniła samą sztukę aktorską.
Spoglądamy wstecz na głównych aktorów płci męskiej, którzy dźwigali na swoich barkach ciężar filmu i dali widzom coś, co wymagało uwagi. To nie tylko zwycięzcy. To są standardy.
Czy jesteś gotowy, aby powrócić do złotych chwil i trudnych realiów, które ugruntowały ich miejsce w historii? Prześledźmy linię doskonałości.
Definicja pokuty: Brendan Fraser
Wszystko zaczyna się od nazwiska, które niewielu spodziewało się zobaczyć ponownie na szczycie. Brendana Frasera.
Przez długi czas Frazier był facetem, którego rozpoznawałeś. Uroczy główny bohater filmów „Mumia” czy „George of the Jungle”. Był twarzą przygód dla całej rodziny. Ale branża jest zmienna. Skrypty wyschły. Role stały się mniejsze. Po cichu opuścił scenę, pozostając poza zasięgiem wzroku.
A potem pojawił się film „Wieloryb”.
Fraser nie tylko odegrał jakąś postać. Wniósł w niego życie. Jako Charlie, mężczyzna obciążony ciężarem, żalem i samotnością, Fraser pozbywa się wszelkich cieni swojej dawnej sławy. Nie było tu żadnego splendoru ani akcji. Po prostu surowa, drżąca ludzkość. Ten występ był trudny. Powodowało to dyskomfort. To było genialne.
Kiedy Akademia przyznała mu tytuł najlepszego aktora, nie było to tylko zwycięstwo Frasera. Było to zwycięstwo idei, że aktorzy mogą się zmieniać. Że mogą odkryć siebie na nowo. Że kariera może mieć drugi, jeszcze potężniejszy akt.
„Przyniósł ze sobą wrażliwość, która była jednocześnie przejmująco smutna i zabawna”.
To nie był przypadek. To była główna atrakcja. Udowodniono, że najlepsze aktorstwo często wynika z głębokiej empatii i fizycznego zaangażowania. Fraser nie tylko pojawił się na planie. Zniknął w roli. I w ten sposób przypomniał wszystkim, po co w ogóle chodzimy do kina. Aby doświadczyć czegoś prawdziwego.
Brendan Fraser, jeden z najnowszych przedstawicieli, zapewnił sobie miejsce na liście nominowanych do Oscara i odebrał nagrodę. Kanadyjsko-amerykański aktor w swojej karierze wystąpił w wielu filmach. Jednak rok 2022 stał się punktem zwrotnym dzięki filmowi „Wieloryb” (Wieloryb). Rola Charliego przyniosła mu Oscara. Ta rola, w której pojawił się w ciele ważącym 272 kilogramy, pozostawiła niezatarty ślad w historii kina.
Fraser powiedział, że nagroda była dla niego dobra, pomimo fizycznych wyzwań związanych z tą rolą. Po odebraniu nagrody przyznał, że w tej chwili nie ma żadnych gotowych projektów. Oświadczenie zwróciło uwagę na niepewność w branży hollywoodzkiej. Fraser przeszedł do historii dzięki roli, która pozostała w pamięci widzów.
2. Will Smith
Will Smith był częścią jednego z najgłośniejszych momentów w historii Oscarów. Na gali Oscarów 2022 wszedł na scenę i uderzył Chrisa Rocka. Incydent szybko stał się wirusowy i zagroził karierze Smitha.
Smith grał już główne role w wielu filmach. Dzięki takim filmom jak Faceci w czerni i Dzień Niepodległości przeszedł do historii kina. Jednak ten odcinek z 2022 roku zaszkodził jego reputacji. Akademia Sztuki Filmowej zakazała Smithowi udziału w wydarzeniach na okres jednego roku. Kara ta wywołała wielki oddźwięk w świecie kina.
Smith później przeprosił i próbował wrócić na ceremonię. Jednak ten incydent pozostaje jedną z najmroczniejszych kart w historii Oscarów. Kariera Smitha toczy się w cieniu tego wydarzenia. Miłośnicy kina z niecierpliwością czekają na jego przyszłe projekty.
Pogłoski o Oscarze dla Willa Smitha za „Emancipation” są głośne, ale bądźmy szczerzy. Gwiazda Hollywood Walk of Fame pozostawiła tam swoje odciski dłoni w 2007 roku. Jest jednym z nielicznych aktorów, któremu bez większego wysiłku udaje się zdobyć uznanie krytyków. Jego mecze zapadają w pamięć. Nie można o nich zapomnieć.
Ale jeśli mówimy o długowieczności i czystym zastraszaniu, musimy szybko zmienić kurs.
3. Anthony Hopkins
Hopkins nie tylko gra. On jest przerażający. Podczas gdy Smith wnosi charyzmę i siłę kasową, Hopkins nadaje na innych falach. W zawodzie pracuje od lat 60-tych. Większość aktorów się wypala. Hopkins staje się coraz bardziej przerażający. I coraz bardziej wybitne.
Anthony Hopkins to więcej niż tylko aktor. To wielostronny talent, będący także kompozytorem, reżyserem, producentem i artystą. Zadebiutował na dużym ekranie w 1968 roku w Lwie w zimie. Wykonuje swoje role z niezwykłą precyzją, nosząc postać jak sweter na ramionach. Zadomowił się w świecie kina dzięki wielu różnym postaciom.
W 1991 roku zdobył Oscara za film Milczenie owiec. Radzi sobie z każdą swoją rolą. Ugruntowało to nienaganny i niepowtarzalny wizerunek aktorski.
4. Joaquin Phoenix
Joaquin Phoenix również zasłużenie znalazł się na tej liście. Jego kariera rozciąga się od Maximusa w Gladiatorze po Arthura Flecka w Jokerze. Jego gry nie budzą kontrowersji. Specjalnie za rolę w filmie „Joker” otrzymał Złoty Glob i Oscara. To aktor, który nadaje głębi bohaterom, sprawia, że widz czuje się nieswojo, ale nie pozwala zapomnieć o sobie. Phoenix to jedna z osób, która dokonuje najbardziej imponujących przemian w Hollywood.
3. Leonardo DiCaprio
DiCaprio również znajduje się na tej liście. Podbił świat filmem Titanic, ale na tym nie poprzestał. Za rolę Hugh Glassa w filmie „Zjawa” otrzymał Oscara. Przez lata jego energia nie słabła. W każdym filmie zdaje się odtwarzać siebie na nowo. Wiadomo, że DiCaprio jest selektywny w wyborze projektów. Woli filmy z przesłaniem niż te wysokobudżetowe. To tylko poprawia jego jakość.
2. Meryl Streep
Meryl Streep to niekwestionowana królowa. W trakcie swojej kariery otrzymała wiele nagród. „Diabeł ubiera się u Prady”, „Żelazna dama”, „Wątpliwość”… Każda z jej postaci jest idealna. Zmienia barwę głosu, akcent, siłę fizyczną… Wszystkie szczegóły. Streep to imię, które reprezentuje, co to znaczy być aktorem. Mimo upływu lat jej talent nie słabnie. Wręcz przeciwnie, staje się dojrzalszy. Gry Streepa przekazują nie tylko mistrzostwo techniczne, ale także głębię emocjonalną.
1. Daniel Day-Lewis
A na pierwszym miejscu jest Daniel Day-Lewis. Prawdziwa pasja aktorska. Wygląda na to, że gra po raz setny. „Bękarty wojny”… Nie, czekaj, „Następcy”, „Lincoln”, „Moja lewa stopa”… Każda jego rola stała się legendą. Wie, jak całkowicie zatracić się w postaci. Proces przygotowania trwa miesiące, a nawet lata. Kiedy Day-Lewis wycofał się z aktywnego kina, dało się odczuć jego nieobecność. W końcu niewiele osób gra z taką głębią. Jego dzieła zapisały się złotymi literami w historii kina.
Mroczna, komediowa atmosfera filmu „Joker”, czterogodzinny czas trwania i gra aktorska Joaquina Phoenixa w roli tytułowej odcisnęły silne piętno na kinie. Za tę rolę otrzymał Oscara. To był nieoczekiwany krok. Ogłoszenie przez niego zamiaru odejścia od aktorstwa wywołało kontrowersje. Ale przeszedł do historii złotymi literami.
Uwagę przyciągnęła także jego rola w filmie Gladiator. Był nominowany w kategorii Najlepszy aktor drugoplanowy. To był dowód jego talentu. Rola Johnny’ego Casha przyniosła mu także kolejną nominację. Phoenix uważany jest za jedno z najpotężniejszych nazwisk w historii kina.
Sukces Ramiego Malka w filmie „Bohemian Rhapsody”
Rami Malek również napisał podobną historię sukcesu. W filmie „Bohemian Rhapsody” wcielił się w rolę Freddiego Mercury’ego. Jego występ spotkał się z dużym uznaniem. Był nominowany do Oscara. I wygrał.
Malek był porównywany do Phoenixa w filmie Joker. Obaj aktorzy wyróżnili się rolami w filmach biograficznych. Phoenix zademonstrował mroczniejsze i bardziej eksperymentalne podejście. Malek zaproponował klasyczną narrację biograficzną.
Analiza porównawcza: Phoenix i Malek
Który aktor jest lepszy? Debata trwa. Joker Phoenixa wyróżnia się psychologiczną głębią. Wcielenie Malka w postać Merkurego przyciąga uwagę kunsztem scenicznym. Obydwa filmy zrobiły ogromne wrażenie na Oscarach.
Phoenix zdobył nagrodę dla najlepszego aktora pierwszoplanowego za rolę w filmie „Joker”. Malek zdobył tę samą nagrodę za „Bohemian Rhapsody”. Obydwa dzieła zapisały się na stałe w historii kina.
Ich miejsce w historii kina
Nikt nie spodziewał się premiery filmu Joker. Czterogodzinny czas trwania może zmęczyć widza. Jednak występ Phoenixa nie pozostawił tego ryzyka bez nagrody. Zwycięstwo w Oscarach pokazało, że była to słuszna decyzja.
W przypadku Malka sytuacja była podobna. „Bohemian Rhapsody” było ogromną produkcją z dużym budżetem. Opowiedzenie historii życia Merkurego nie było łatwe. Malek pomyślnie wykonał to trudne zadanie.
Przyszłe projekty
Co zrobi Phoenix po podjęciu decyzji o odejściu z aktorstwa? Nie wiadomo jeszcze. Ale z pewnością pozostawi ślad w historii kina. Malek planuje udział w kolejnych projektach. To, jakie role wybierze, pozostaje kwestią ciekawości.
Obaj aktorzy udowodnili już swój talent. Phoenix – dzięki „Jokerowi” i „Gladiatorowi”. Malek – dzięki „Bohemian Rhapsody”. Miłośnicy kina z niecierpliwością czekają na przyszłe dzieła tych gwiazd.
Podsumowanie
Joaquin Phoenix i Rami Malek zdobyli Oscary za role biograficzne. Feniks,
6. Gary Oldman
Rola Ramiego Malka w serialu „Pan Robot” nie została jeszcze wymazana z pamięci widzów. Prawdziwy punkt zwrotny nastąpił jednak w 2018 roku, kiedy wcielił się w postać Freddiego Mercury’ego. Jego występ w „Bohemian Rhapsody” był czymś więcej niż tylko lekcją aktorstwa; przyniosło mu to Oscara dla najlepszego aktora na 91. ceremonii rozdania Oscarów. Malek zaczynał karierę od małych, epizodycznych ról, a także zajmował się aktorstwem głosowym. Nastąpiła eksplozja popularności. Ale na liście jest jeszcze jedno nazwisko, które nadal utrzymuje swoją pozycję.
6. Gary Oldman
Kiedy schodzimy na sam dół listy, sytuacja staje się interesująca. Gary’ego Oldmana. Jeden z najbardziej wszechstronnych i nieprzewidywalnych aktorów brytyjskiego kina. Przez długi czas ukrywał się za maską „złoczyńcy”. Jego role obejmują zarówno Babel, jak i serial Batman. Ale jest jednym z nielicznych aktorów, którzy potrafią w pełni przeniknąć duszę każdej postaci.
Dlaczego tak długo nazywano go „aktorem drugoplanowym”? Ponieważ jego talent objawiał się wyraźnie nie w głównych rolach bohaterskich, ale w tych bardzo szarych obszarach. Komisarz w Piątym elemencie, czarny charakter w Leonie, a następnie Syriusz Black w Harrym Potterze. Zawsze ta sama twarz, ale zawsze pod innym kątem.
W 2017 roku wszystko zmieniło się wraz z filmem „Czas mroku”. Zagrał rolę Winstona Churchilla. Zadanie wizażystów zostało wykonane. Teraz rozpoczęła się praca Oldmana. Jego chód, sposób mówienia, to ciężkie uczucie umierającej Wielkiej Brytanii. Na 90. ceremonii rozdania Oscarów otrzymał nagrodę dla najlepszego aktora pierwszoplanowego.
Wielu krytyków uważa, że w tym momencie przestał być „aktorem charakterystycznym” i stał się „gwiazdą filmową”. Ale w rzeczywistości zawsze taki był. Tyle, że teraz kamera skupiła się przede wszystkim na nim.
Jego występ w Darkest Hour wywołał debatę na temat tego, jak przedstawił psychologiczny upadek i opór przywódcy w jednym z najtrudniejszych okresów w historii. Oldman używał nawet mimiki twarzy, aby przekazać pogłoski o „czerwonym psie” Churchilla. To nie był tylko film biograficzny. Była to mapa stanu duszy.
A co z pozostałymi nominowanymi? Sally Hawkins zdobyła nominację dla najlepszej aktorki za Kształt wody. Timothée Chalamet wyróżnił się filmem „Call Me by Your Name”. Jednak zwycięstwo Oldmana było tak wewnętrzne i ciche, że zdecydował się trzymać z daleka od hałasu.
Niektórzy krytycy uważają, że film „Czas mroku”…
Filmografia Gary’ego Oldmana jest tak bogata, że niektórych scen nie da się zapamiętać. Aktor w swojej karierze wielokrotnie pojawiał się przed kamerą, a dziś jest jedną z najbardziej dochodowych gwiazd w historii kina. Jego początki były związane z teatrem, ale swoje pierwsze kroki w kinie stawiał dzięki doświadczeniom związanym z kręceniem filmu „Wspomnienie” w 1979 roku. Jest znany jako jedno z pierwszych nazwisk, które przychodzą na myśl, jeśli chodzi o zagranie złoczyńcy. Dzięki filmowi „Czas mroku” udało mu się zdobyć Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego. To było wielkie zwycięstwo.
7. Casey Affleck
Kontynuujemy naszą listę z innym znanym nazwiskiem. Casey Affleck to jeden z tych aktorów, którzy od dawna są w świecie kina, ale nie zawsze udawało im się osiągnąć pełny sukces. Nie ma tu dyskusji na temat talentu. Jego karierę aktorską mógł przyćmić cień jego brata Bena Afflecka. Ale jeśli spojrzeć na to osobno, jest to inny kaliber.
Kariera Casey rozpoczęła się na początku lat 90. od filmów klasy B, takich jak Moja macocha jest kosmitką. Swoją niszę odnalazł grając w niskobudżetowych filmach niezależnych. Widzieliśmy go w takich projektach jak Gerry i The Sitter. Ale prawdziwy punkt zwrotny był inny.
Dlaczego Casey Affleck jest kochany przez krytyków
Casey Affleck jest nieustannie kochany przez krytyków. Szczególny sukces odniósł dzięki filmowi „Manchester by the Sea”, który stał się punktem zwrotnym w jego karierze. W 2016 roku rola w tym filmie przyniosła mu Oscara. Zwyciężył w kategorii Najlepszy Aktor. Nagroda ta udowodniła, że nie jest on tylko „drobnym” aktorem.
Wcześniej znany był przede wszystkim z ról komediowych i drugoplanowych. W takich kultowych filmach jak „Za wszelką cenę” i „W pogoni za Amy” wcielił się w małe, ale niezapomniane postacie. Jednak rola Lee Chandlera w „Manchester by the Sea” była przepełniona głęboką melancholią i realizmem. Cicha, wycofana, traumatyczna postać. Casey odegrał tę rolę niemal bez emocji, posługując się jedynie swoim wyglądem. Ta praca przyniosła mu nie tylko Oscara, ale także Złoty Glob i nagrody BAFTA.
Które filmy ukazują możliwości Caseya Afflecka?
Filmografia Casey jest daleka od monotonnych ról. W filmie Zabójstwo Jessego Jamesa przez tchórzliwego Roberta Forda* zagrał człowieka stojącego za Jessem Jamesem. Ta rola stworzyła spokojną i niebezpieczną atmosferę. Rola Nicka Dunne’a w „Zaginionej dziewczynie” pokazała go z innej strony. Manipulacyjny, tajemniczy i niepokojący. Davida Finchera
8. Leonardo DiCaprio
Po Kasinie Afflecku plasuje się Leonardo DiCaprio, który do dziś uważany jest za jedną z najcenniejszych postaci Hollywood. Podobnie jak Affleck, DiCaprio był nominowany do Złotego Globu i Oscara w kategorii Najlepszy aktor drugoplanowy, jednak zwieńczeniem jego kariery i główną nagrodą było zdobycie nagrody w kategorii Najlepszy aktor drugoplanowy. W przeciwieństwie do Afflecka, który przeszedł do historii dzięki filmowi Birdman, droga DiCaprio do nagrody okazała się dłuższa. Od ponad dwudziestu lat znajduje się w centrum uwagi branży filmowej.
Dlaczego on wciąż gra w roli głównej?
Kariera DiCaprio to historia ciężkiej pracy, począwszy od dzieciństwa jako gwiazdki, aż po dzień dzisiejszy. Podbił świat filmem Titanic, ale potem okrzyknięto go „bohaterem romantycznym”. Odliczanie do zdobycia Oscara było bardzo długie. Dopiero w 2016 roku, za sprawą filmu „Zjawa”, otrzymał wreszcie statuetkę. To nie tylko nagroda, ale dowód jego selektywności i złożonych preferencji filmowych.
Filmografia wybiórcza
DiCaprio nie występuje w każdym filmie. Średnio zapisuje się na jeden lub dwa projekty rocznie. Świadczy to o tym, że stawia na jakość swoich projektów.
* Współpraca ze Scorsese: Więź, którą zbudował z Martinem Scorsese, stała się jedną z najpotężniejszych par w historii współczesnego kina. Wspólnie stworzyli takie arcydzieła, jak Gangi Nowego Jorku, Infiltracja, Wyspa tajemnic, Wilk z Wall Street i Irlandczyk.
* Wybór na podstawie treści: Dzięki projektom takim jak Blood Diamond, Inception, Django Unchained i Interstellar grał role, które zyskały uznanie zarówno kasowe, jak i krytyczne.
* Aktywizm i wpływy: DiCaprio zasługuje na Oscara nie tylko dzięki talentowi aktorskiemu, ale także walce ze zmianami klimatycznymi. Dzięki temu z aktora stał się ikoną kultury.
Rzut oka na nominacje dla najlepszego aktora drugoplanowego
W przeciwieństwie do Afflecka nominacje DiCaprio w kategorii Najlepszy aktor drugoplanowy są mniej dyskutowane. Za film „Co gryzie Gilberta Grape’a” (1993) DiCaprio otrzymał swoją pierwszą główną nominację w wieku zaledwie 19 lat. W tym samym roku konkurował z filmami takimi jak Ścigany. Jednak z biegiem lat główny nacisk przesunął się na jego występ w kategorii Najlepszy Aktor.
Dlaczego to jest ważne?
DiCaprio jest jednym z nielicznych, którzy dobrze radzą sobie ze zmieniającą się dynamiką Hollywood
Eddie Redmayne to jeden z tych aktorów, którzy zdają się odgrywać każdą rolę z cichą, przerażającą precyzją. Nie przypadkowo dostał rolę w filmie „Teoria wszystkiego”. Obraz wymagał od niego jednoczesnego oddania fizycznego upadku Stephena Hawkinga i jego intelektualnej wielkości. Redmane przyjął tę rolę w 2014 roku. Spędził miesiące studiując ruchy Hawkinga, aż do specyficznego pochylenia jego głowy i sztywności palców. W rezultacie powstała gra, która nie tylko symulowała niepełnosprawność, ale także przenosiła uwięzioną w niej świadomość.
Krytycy nazwali to występem, który zdefiniował karierę. Akademia wyraziła zgodę. W 2015 roku odszedł z Oscarem dla najlepszego aktora pierwszoplanowego.
Siła transformacji
Zdobywca Oscara Redmane’a nie wynikała wyłącznie z technicznej gry aktorskiej. Chodziło o dostępność emocjonalną. Droga Hawkinga od diagnozy do światowej ikony wymagała od Redmayne’a ukazania ewolucji bez utraty podstawowego człowieczeństwa postaci. Uniknął pułapki czynienia Hawkinga jedynie postacią inspirującą. Film pokazał rozczarowanie. Samotność. Miłość. Redmane rozegrał wszystko z powściągliwością. To właśnie ta powściągliwość sprawiała, że chwile triumfu brzmiały jeszcze głośniej.
To zwycięstwo było punktem zwrotnym. Przed „Teorią wszystkiego” Redmayne był wschodzącą gwiazdą. Potem został aktorem najwyższej klasy, zdolnym do prowadzenia głównych filmów biograficznych. Reżyserzy zaczęli go rozważać do ról wymagających raczej głębi niż spektaklu.
Po Oscarach
Presja po zdobyciu Oscara jest prawdziwa. Wielu aktorów się potyka. Redmayne tego nie zrobił. Zmienił tempo. Przerzucił się na bardziej eksperymentalne projekty. Wkrótce potem pojawiła się „Dańska dziewczyna”. Zagrał Lili Elbe, jedną z pierwszych znanych kobiet, które poddały się operacji potwierdzenia płci. Ta rola wymagała podobnego poziomu fizycznej transformacji i wrażliwości emocjonalnej. Redmane traktował ją z taką samą ostrożnością. Za tę grę otrzymał kolejną nominację do Oscara.
Na tym nie poprzestał. Przejął aktorstwo głosowe w filmach animowanych. Badał dramaty historyczne. Uniknął pułapki pisania. Zamiast grać tego samego czarującego intelektualistę, szukał postaci, które miały wady. Które były trudne. Które były prawdziwe.
Dlaczego to jest ważne?
Krzywa kariery Redmane’a stanowi wzór dla młodych aktorów. Udowodnił, że aktorstwo metodyczne nie polega na zatracaniu się w roli. To służba historii. Jego praca w „Teorii wszystkiego” pokazała, że małe gesty są ważniejsze niż wielkie przemówienia. Sposób, w jaki Hawking patrzył na swoją żonę. Sposób, w jaki zmagał się z mową. Te chwile miały większą wagę niż jakakolwiek scena dramatycznego monologu.
Dziś Redmayne pozostaje jednym z najbardziej szanowanych aktorów w branży. Nie goni za nagłówkami. Goni za złożonością. I ten wybór sprawia, że jego twórczość pozostaje świeża. Każda nowa rola jest jak odkrycie. To nie jest powtórzenie.
Pytaniem nie jest, czy zdobędzie kolejną nagrodę. Pytanie, jaką postać przyjmie w następnej kolejności. Jedno jest pewne. Nie będzie grał bezpiecznie.
Eddie Redmayne udowodnił, że nie trzeba mieć twarzy tradycyjnego głównego bohatera, aby przykuć uwagę widza. Wcielił się w rolę Stephena Hawkinga. Opanował transformację fizyczną wymaganą do genialnego ucieleśnienia tego fizyka. I odszedł z Oscarem za film „Teoria wszystkiego”. Ale Redmayne nie był jednorazową gwiazdą. Jego dorobek obejmuje wiele nominacji i zwycięstw w różnych gatunkach. Wytrzymał kaprysy branży.
Teraz zmieńmy punkt ciężkości.
10. Matthew McConaughey
Jeśli Redmayne był metodycznym naukowcem, Matthew McConaughey był twardzielem, który na chwilę zapomniał, jak się zachować. Ale potem przypomniałem sobie.
McConaughey nie wspiął się ponownie na szczyt hollywoodzkiego Olimpu. Wyszedł stamtąd.
Po latach odgrywania uroczej, nieco swojskiej romantycznej roli w komediach takich jak Jak stracić faceta w 10 dni i Agent ślubny, aktor uderzył w ścianę. Studia przestały dzwonić. „McConaissance” nie był terminem marketingowym wymyślonym przez jego menedżera ds. PR. To była strategia przetrwania.
Zaczął mówić nie. Brał role w filmach niezależnych, które płaciły mniej, ale wymagały więcej. Współpracował z Richardem Linklaterem. Współpracował ze Stevenem Soderberghiem. Pozwolił swojemu ciału się zmienić. Pozwolił, by jego głos opadł do ochrypłego rejestru, jakby od wieków jechał żwirową drogą.
A potem przyszedł Dallas Buyers Club.
Grał Rona Woodroofa. Homofob, homofob, homofob (tak, dokładnie taki był charakter) kowboj, który w latach 80. zdiagnozował u siebie wirusa HIV. Utrata wagi była dramatyczna. Gra była surowa. To nie było ładne. To nie było urocze. To była desperacka walka.
Jak wygrał?
Akademia ma historię nagradzania ról „przekształcających”. Lubi, gdy aktor całkowicie zatraca się w swojej postaci. McConaughey się rozwiązał.
W 2014 roku zdobył Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego. Ale zwycięstwo nie zależało tylko od wagi. Była na czas. Branża jest zmęczona tymi samymi twarzami. Potrzebowała szorstkiej szczerości (żerności). McConaughey dał im tę surową szczerość.
Konsekwencje
Czy przeszedł na emeryturę? Nie.
Kontynuował pracę. Zagrał w Wilku z Wall Street. Zagrał detektywa w serialu True Detective. Zagrał nawet w kilku reklamach. Jego marka ewoluowała od „idolki dziewcząt” do „aktora charakterystycznego o atrakcyjności kasowej głównego bohatera”.
Zwycięstwo Redmane’a polegało na precyzji. Zwycięstwo McConaugheya polega na przecenianiu siebie.
Który sposób jest trudniejszy?
Jeden wymaga studiowania niepełnosprawności, dopóki nie będziesz w stanie naśladować każdego jej ruchu. Drugi wymaga stopniowego niszczenia własnego wizerunku publicznego.
McConaughey nie tylko zdobył nagrodę. Zmienił ścieżkę swojej kariery. Udowodnił, że w dramacie aktora komediowego można traktować poważnie. Udowodnił, że można być popularnym, a potem szanowanym.
W branży nadal czasami nazywa się go „Magicznym Mikem”. Śmieje się. I postępuje słusznie. Ale Oscar zbiera kurz na półce. Nie przejmują się żartami. Interesuje go tylko praca.
A praca była niezaprzeczalna.
Awans Matthew McConaugheya nie był powolny i stopniowy. Karierę rozpoczął w 1991 roku, ale dopiero A Time to Kill naprawdę zaprowadziło go na dużą scenę. Szybkie logowanie. Szybka trajektoria. Potem przyszedł Interstellar. Ta rola ugruntowała jego miejsce w panteonie niezapomnianych aktorów. Ale prawdziwym punktem zwrotnym był Club Dallas. Zwycięstwo na Oscarach. Jego przemówienie. Ludzie wciąż o niej mówią. Wiele lat później.
Dud żyje
A potem jest Jeff Bridges.
Jeśli McConaughey jest ikoną nowoczesności, to Bridges jest prototypem. Nie da się mówić o cool, nie podając jego nazwy. On nie tylko grał; ucieleśniał bohaterów w sposób, który bardziej przypominał występ, a bardziej wspomnienie.
Pomyśl o tym.
Który aktor mógłby zagrać zrelaksowanego kowboja, szorstkiego detektywa i chaotycznego boga z tą samą beztroską powagą?
Mosty mogłyby.
Jego kariera obejmowała dziesięciolecia transformacji, a mimo to nigdy nie stracił swojego charakterystycznego pochylenia i zrelaksowanego nastawienia. Ten rodzaj uroku, który mówi: „Widziałem różne rzeczy i prawdopodobnie nie zamierzam ci o nich mówić”.
Dziedzictwo jest ważniejsze niż legendy
McConaughey zbudował swoje imperium na fundamencie nagłego, ostrego blasku. Mosty zbudowały górę.
Jedna wspinaczka. Drugim jest przesunięcie geologiczne.
Obaj wygrali. Oboje pozostawili blizny. Jeden dotyczy oczekiwań branży co do tego, jak powinien wyglądać główny bohater. Drugie dotyczy naszej kulturowej pamięci o tym, jak to jest być człowiekiem.
Patrzysz na McConaugheya i widzisz ambicję wyostrzoną w centrum uwagi.
Patrzysz na Bridgesa i widzisz rezultat życia przeżytego w ogniu.
Różnica polega nie tylko na wieku. To różnica w teksturze.
Oscarowe przemówienie McConaugheya było manifestem. Filmografia Bridgesa to muzeum.
Obaj są niezastąpieni. Obydwa są wyjątkowe.
Ale gdybyś musiał wybrać kogoś, kto zdefiniował pojęcie „cool” pokolenia?
To jest trudniejsze pytanie.
Chłód się zmienia.
Chłód zanika.
Mosty wciąż się pojawiały. I nadal był dobry.
Jeff Bridges był u szczytu swojej kariery. Przyjechał z filmem Crazy Heart. Ucieleśniał Otisa Blake’a. Wygrał. Oscar dla najlepszego aktora pierwszoplanowego miał w kieszeni.
Był nominowany jeszcze czterokrotnie. Ale tym razem znowu został z niczym. Towarzyszy mu także tożsamość muzyczna. Zapamiętamy go nie tylko jako aktora, ale także jako głos. Talent, który przykuwa uwagę widza. Ulubiony bohater historii kina.
12. Jamie Foxx
Teraz jest to Jamie Foxx.
Tak. Jesteśmy na tej samej liście. Ale widok jest inny. Jeśli kojarzysz Foxxa wyłącznie z Rayem Charlesem w filmie Ray, to się mylisz. Jego zasięg jest znacznie szerszy.
Komedia? W domu. Kryminał? Strefa Mroku. Działanie? Ciepły.
Występ Foxa nie jest kontrolowany, ale żywy. Zamiast zwracać na siebie uwagę, wciąga cię do środka. Nie ma tego ciężkiego, głębokiego tonu, jaki ma Bridges. Lis jest coraz szybszy. Bardziej imponujące.
Dlaczego jego kariera trwała tak długo?
Możliwość adaptacji. Wchłania rolę. Rozszerza zakres.
Z kim konkuruje?
Z Bradem Pittem? A może z Leonardo DiCaprio?
Prawdziwe pytanie brzmi: kto zatrzyma więcej widzów?
Mosty mają głębię. Lis – energia.
Obaj znają się na rzeczy. Ale styl tańca Foxa pod światłami sceny jest inny.
Russell Crowe nie stał się gwiazdą nie przez przypadek. Zdobył sławę, grając jedną po drugiej skomplikowane i trudne role.
Urodzony w Nowej Zelandii aktor jako nastolatek przeprowadził się do Australii, gdzie studiował aktorstwo, zanim dostał swoją pierwszą główną rolę ekranową w filmie Tylko o miłości z 1986 roku. Prawdziwy przełom nastąpił jednak wraz z filmem Romper Stomper. Mroczny i pełen napięcia australijski dramat, w którym wcielił się w przywódcę gangu neonazistowskiego, przyniósł mu sławę dzięki surowej i naturalistycznej grze aktorskiej. Film wywołał kontrowersje. Był skandaliczny. Był genialny.
Potem przyszło Hollywood.
Na początku XXI wieku Crowe przestał być ulubieńcem kina niezależnego i stał się gwiazdą światowych hitów kinowych. Film Gladiator zmienił wszystko. Jako Maximus Decimus Meridius dał widzom nagrodzony Oscarem spektakl, który zdefiniował pokolenie eposów historycznych. Jego przemówienie stało się ikoniczne. Piasek na arenie był prawdziwy.
Ale nie był mistrzem jednej sztuczki.
Crowe pokazał swoje możliwości w Pięknym umyśle, wcielając się w rolę matematyka Johna Nasha. Pokazał kruchość geniuszu i dotkliwość paranoi. Krytycy uznali to za jego najlepsze dzieło. Otrzymał kolejną nominację do Oscara. Osoba ta jest w stanie całkowicie rozpuścić się w roli.
Współczynnik wszechstronności
Co wyróżnia Crowe’a spośród innych gwiazd z najwyższej półki? Brak typu.
Grał:
– brutalny gladiator
– genialny matematyk zmagający się ze schizofrenią
– skorumpowany sędzia w filmie „Pan Cotton” (Człowiek Kopciuszek)
– twardy przestępca w filmie „Łowca krokodyli”
– włóczęga w kosmosie w filmie “Rebel Moon”
Każda jego gra wygląda wyjątkowo. Żadnych manier. Żadnych powtarzających się tików. Po prostu czysta transformacja przypominająca kameleona.
Za kulisami
Crowe jest znany z prowadzenia niezwykle prywatnego stylu życia. W przeciwieństwie do wielu swoich kolegów unika czerwonych dywanów, jeśli nie jest to konieczne. Woli spektakl od rzemiosła.
Nie oznacza to, że jest odludkiem. Jest żonaty z Danielle Spencer. Mają dzieci. Lubi surfować. Otwarcie mówił o swoich zmaganiach ze sławą i presji bycia czołową postacią.
Ostatnie lata
Crowe nie zwalnia tempa.
W 2022 roku zagrał w The Creative Movement, thrillerze, który pokazał jego stałą obecność na ekranie. W 2023 roku dołączył do obsady filmu Superman DC Extended Universe , grając Lexa Luthora. Zdania fanów były podzielone. Niektórzy są podekscytowani tym pomysłem. Inni są nieufni. Ale zaangażowanie Crowe’a w tę rolę sugeruje, że jest gotowy przyjąć jedną z najtrudniejszych ról złoczyńcy w kinie.
Dlaczego to jest ważne?
Russell Crowe reprezentuje pewną epokę gwiazd filmowych. Ci, którzy potrafią nieść hit i jednocześnie zapewniają autentyczność artystyczną. Łączy te dwa światy.
On nie jest tylko twarzą. On jest siłą.
I dopóki będzie on nadal przedkładał wymagające role nad bezpieczne, branża nie będzie miała powodu odwracać wzroku.
Następny rozdział? Kto wie. Ale jedno jest pewne.
Kiedy Russell Crowe staje przed kamerą, ty patrzysz.
Nominacje Russella Crowe’a do Oscara za filmy takie jak Gladiator i Szef kuchni, a także jego odważny debiut w świecie telewizji w wieku pięciu lat pokazują, jak zmienne i niebezpieczne są warunki gry w Hollywood. Ale wtedy na scenę wchodzi Tom Hanks.
W przeciwieństwie do donośnego głosu Crowe’a, Hanks swoją cichą, upartą siłą pozostawił niezatarty ślad w historii kina. Jest jedną z najtrwalszych, niezawodnych i prawdopodobnie ukochanych twarzy w Hollywood.
Nowoczesne oblicze amerykańskiego snu
Hanks zapisał się w pamięci pokoleń dzięki filmom „Forrest Gump” i „Szeregowiec Ryan”. Ale jego sekret kryje się nie tylko w filmach wysokobudżetowych. Dzięki takim projektom jak Filadelfia i Bolszoj zdobył zarówno uznanie krytyków, jak i rekordowe wpływy ze sprzedaży biletów.
Dwukrotnie był nominowany do Oscara i dwukrotnie go zdobył. Otrzymał tę nagrodę za role w filmach Filadelfia i Forrest Gump. Ale najważniejsze jest jego podejście do tworzenia postaci. Hanks zawsze sprawia, że widzowie mają wrażenie, że „jest to ktoś taki jak ja”. To czyni go wyjątkowym.
Dlaczego Tom Hanks?
Pytanie brzmi: dlaczego Hanks?
Odpowiedź jest prosta.
Jest konsekwentny.
Z biegiem lat zmienił swój styl. Ale jego istota pozostała niezmieniona.
- Kreatywność: W każdej roli pojawia się nowy Hanks.
- Reputacja: Jedna z niewielu osób cieszących się dużym szacunkiem w branży.
- Konsekwencja: Na szczycie od 40 lat.
Tom Hanks to najbardziej „ludzki” aktor kina. I być może dlatego jest tak cenny, jak wybuchowy talent Crowe’a.
Tom Hanks nie tylko odgrywał postacie. Żył nimi. Dwa Oscary dla najlepszego aktora pierwszoplanowego nie były dziełem przypadku. Biorąc pod uwagę takie arcydzieła jak „Filadelfia” i „Forrest Gump”, które znajdują się na szczycie jego filmografii. Podjął się najcięższej pracy. Wyczerpujące role. Te, które Cię rozbijają, żeby Cię z powrotem poskładać.
Spójrz na jego filmografię. „Mosty w hrabstwie Madison”. „Na ratunek szeregowcowi Ryanowi” „Zielona mila”. Każdy z nich to mistrzowska klasa powściągliwości i czystych emocji. To facet, który sprawia, że wierzysz w zwyczajną magię istnienia. I nie za późno został rozpoznany. Nie. Nagroda im. Cecila B. deMille’a za całokształt twórczości trafiła do niego, gdy był jeszcze jednym z najmłodszych aktorów, którzy otrzymali tę nagrodę. To rekord w branży. Młody. Utalentowany. I już legendarny.
15. Al Pacino
A potem jest Al Pacino.
Jeśli Hanks jest sercem, to Pacino jest nerwem. Ten, który drży, ledwo powstrzymując się od prądu. Nie zdobył nagród za bycie miłym człowiekiem. Wygrał ich, będąc niebezpiecznym. Nieoczekiwany. Ludzki w sposób, który wydawał się zbyt realny, żeby był grą.
Jego podróż rozpoczęła się na trudnych ulicach Nowego Jorku. W teatrach poza Broadwayem. Potem zadzwoniło Hollywood. Ale Pacino nie tylko otworzył drzwi. Znokautował ją.
„Serpico”. „Popołudniowy kowboj” „Zapach kobiety”. To nie tylko tytuły filmów. Są to artefakty kulturowe. W Serpico zagrał więcej niż tylko policjanta, który nie chce brać łapówek. Grał uczciwie w skorumpowanym systemie. I drogo go to kosztowało. Ta rola uczyniła go gwiazdą, ale także celem. Nie na ekranie. W życiu.
Potem przyszła trylogia „Ojciec chrzestny”. Michaela Corleone. Transformacja z idealistycznego bohatera wojennego w bezwzględnego szefa mafii. To nie była zjeżdżalnia. Było z górki. A Pacino grał na każdym kroku. Widziałeś, jak światło gaśnie w jego oczach.
Ale nie zawsze chodziło o złoczyńców. Albo antybohaterowie.
W „Zapachu kobiety” zagrał pułkownika Franka Slade’a. Ślepy. Gorki. Genialny. Monolog kończący film to nie tylko przemówienie. To jest manifest. „Och!” nie było tylko śpiewem. To był okrzyk bojowy przeciwko światu, który próbował go uciszyć. Za tę rolę otrzymał Oscara. Po dziesięcioleciach ignorowania.
Dlaczego to trwało tak długo?
Częściowo dlatego, że było to trudne. Trudno rzucić. Trudne do kontrolowania. Reżyserom podobał się ogień, ale nie lubił dymu. Ale nie można mieć ognia bez dymu.
Był we wszystkim. Od niskobudżetowych niezależnych projektów po wysokobudżetowe hity kinowe. „Carlito”. “Ciepły”. Nawet jego rola jako Syna Bożego w „Ostatnim kuszeniu Chrystusa”, rola, która była kontrowersyjna, ale pokazała jego zdolność odnalezienia człowieczeństwa w boskości.
Jest powód, dla którego to nadal działa. Nadal aktualne. To nie tylko talent. Jest to odmowa przestrzegania zasad. Pokorny. Przestań pytać „co jeśli?”
Co się stanie, gdy kurtyna opadnie? Kiedy gaśnie światło? Czy Pacino nadal czuje prąd? Prawdopodobnie. On też
16. Marlon Brando
Niezaprzeczalna jest jego kultowa rola w serii filmów „Ojciec chrzestny” z Alem Pacino, a także osiągnięcia takie jak Oscar za film „Zapach kobiety”. Sześć nominacji do Oscara, kultowy status „Człowieka z blizną” i status jednego z największych nazwisk kina XX wieku tylko cementują jego dziedzictwo. Jednak ci giganci w rzeczywistości podążali śladami odkrywcy. Pionierem tym był Marlon Brando.
Brando był tym, który wyrwał z korzeni klasyczny hollywoodzki wizerunek „dobrego faceta”. Rozpoczynając karierę w Tramwaju zwanym pożądaniem, aktor zdobył swojego pierwszego Oscara za rolę w filmie Na nabrzeżu, co wyniosło go do rangi ojca aktorstwa metodycznego. Takie podejście wniosło na scenę emocjonalną głębię i realizm; Brando opanował tę metodę tak głęboko, że widzowie widzieli już nie „graną” postać, ale „żywą” osobę.
Jego stanowisko przeciwko bojkotowi Gildii Pisarzy
W 1955 roku, po zdobyciu Oscara za film Na nabrzeżu, Brando przeszedł do historii, odmawiając przyznania nagrody. Ze względu na bojkot WGA odmówił przyjęcia nagrody. Zamiast tego wprowadził na scenę aktywistkę Apache, Sashę Littlefeather, która wypowiadała się przeciwko komunizmowi i uciskowi ery McCarthy’ego, zwracając w ten sposób uwagę branży na kwestie, które wzbudziły krytykę. Akt ten ustanowił nowy precedens dla stanowiska politycznego i aktywizmu w Hollywood.
Jego wpływ na kulturę
Wpływ Brando nie ograniczał się do kina. Postacie, które stworzył w filmach takich jak Dziki i Czas Apokalipsy, stały się częścią kultury młodzieżowej i symbolem buntu. Oczekiwał, że Vito Corleone w „Ojcu chrzestnym” będzie szczytem jego kariery. Rola ta na nowo zdefiniowała ojcostwo, władzę i przynależność; Aktorstwo Brando stało się swoistą lekcją dla kolejnego pokolenia aktorów.
Jego dziedzictwo i odporność
Dziś wspominanie Brando to nie tylko wspominanie pracy jednego aktora, ale także pamiętanie o narodzinach aktorstwa metodycznego i o tym, jak bardzo może to zmienić wrażliwość społeczną Hollywood. Odmowa Oscara była wyzwaniem dla jego pozycji w systemie; Głębokie postacie, które stworzył w filmach takich jak Ojciec chrzestny i Na plaży, kształtują jego trwałe dziedzictwo.
W tej wielkiej podróży, w której podążało wiele wielkich gwiazd, nazwisko Brando na zawsze pozostanie punktem odniesienia.
17. John Wayne
Spuścizna Marlona Brando została ugruntowana w dwóch nominacjach do Oscara i jednym miażdżącym zwycięstwie za rolę w Ojcu chrzestnym. Sześćdziesiąt lat czasu ekranowego. Karierę zbudowaną na wczesnych lekcjach od weteranów aktorstwa i nieustraszonym podejściu do ról, które wymagały czegoś więcej niż tylko zapamiętanych kwestii. Nie tylko odgrywał postacie; rozebrał ich.
Ale zanim Brando przepisał na ekranie zasady amerykańskiej męskości, pojawił się Wayne.
Człowiek, który zdefiniował western
John Wayne występował nie tylko w westernach. To był western. Przez dziesięciolecia był twarzą amerykańskiego kina, postacią tak ikoniczną, że jego nazwisko stało się synonimem surowego indywidualizmu, sprawiedliwości granicznej i mitologii Dzikiego Zachodu.
“Nie tylko grał kowboja. Sprzedał wyobrażenie o tym, jaki powinien być prawdziwy Amerykanin.”
Od debiutu w The Grand Route (1930) po ostatni występ w The Shootist (1976) Wayne zdominował ten gatunek. Nie potrzebował metody Stanisławskiego. Nie musiał płakać na polecenie. Potrzebował konia, kapelusza i intonacji brzmiącej jak żwir chrzęszczący pod oponami.
Więcej niż tylko gwiazda
Kariera Wayne’a nie była przypadkowa. To była starannie zbudowana marka. Uczył się pod okiem najtwardszych trenerów Hollywood, ucząc się, jak poruszać się z ciężarami i jak eksponować autorytet bez krzyków. Jego sylwetka – szerokie ramiona, imponujący wygląd – nie była przypadkowa. To była zbroja.
Zdobył Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego za film Prawdziwa wiara (1969), w którym pokazał swoje najsłynniejsze maniery, a jednocześnie wykazał się zaskakującą głębią gry. Ale nie chodziło tylko o nagrody. Chodziło o wpływy ze sprzedaży biletów. W ślad kulturowy pozostawił.
Dlaczego to wciąż ważne
Dziś Wayne jest często krytykowany za swoje poglądy polityczne i przestarzały charakter swoich bohaterów. To sprawiedliwe. Jednak odrzucenie go oznacza niezrozumienie jego wpływu. Zdefiniował pewien obraz. Rozpoznał pewien głos. Zdefiniował pewien sposób bycia na ekranie, którego pragnęła widzowie w okresach narodowej niepewności.
- Status ikony : Wayne stał się standardem, według którego mierzono wszystkich twardzieli.
- Dominacja gatunku : Zagrał w ponad 170 filmach, a podstawą jego twórczego dziedzictwa są westerny.
- Wpływ na kulturę : Jego wizerunek ukształtował sposób, w jaki Ameryka postrzegała własną historię i bohaterstwo.
Brando wysunął na pierwszy plan psychologię. Wayne przyniósł mit. Jedno i drugie było konieczne. Obaj byli niepokonani.
A jednak, kiedy oglądasz Poszukiwaczy, nie jest to tylko film. To jest ostrzeżenie. Lekcja. Rzut oka na umysł, który nie tylko chciał wygrać, ale chciał należeć. Wayne nigdy tego nie znalazł. Brando tego nie potrzebował.
18. Spencer Tracy
Był prawdziwym bezkoronowym królem Hollywood. Jego obecność pozostawiła niezatarty ślad w najbardziej prestiżowym okresie w historii kina. Spencer Tracy był nie tylko aktorem; to on zademonstrował najbardziej naturalne i skuteczne występy swojej epoki.
Tracy dwukrotnie zdobył Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego, zdobywając tę nagrodę za role w filmach Kapitanowie odważni (1937) i Chłopcy z Downtown (1938). To podwójne zwycięstwo było rzadkim osiągnięciem w historii kina. Co więcej, pozostał jedynym aktorem płci męskiej, który otrzymał ten tytuł w Złotym Wieku Hollywood.
Jego styl gry cechował się brakiem przesady i opierał się na prostocie. Reżyserzy wybrali go właśnie ze względu na jego zdolność przyciągania uwagi kamery, gdy tylko pojawiał się na ekranie. Nawet podczas wygłaszania swoich kwestii Tracy wiedział, jak utrzymać uwagę widza. Ta naturalna płynność pozwoliła mu przyćmić konkurencję.
Chociaż role, jakie pełnił w swojej karierze, były różnorodne, jego najbardziej zapadające w pamięć dzieła dotyczyły tematów dramatycznych i biograficznych. W filmie „Ktoś przyjdzie na obiad” zagrał swoją ostatnią główną rolę. Za tę pracę otrzymał ostatnią nominację do Oscara. Film poruszał postępowy temat stosunków rasowych i został uznany za ostatni duży sukces Tracy na dużym ekranie.
Uwagę opinii publicznej przykuło także jego życie osobiste. Jego wieloletni związek z Katharine Hepburn stał się jednym z sensacyjnych wydarzeń Hollywood. To partnerstwo obu gwiazd miało wpływ zarówno na profesjonalną, jak i osobistą stronę ówczesnej popkultury. Filmy zrealizowane wspólnie z Hepburnem nadal cieszą się dużym zainteresowaniem fanów kina.
Dziedzictwo Tracy’ego kształtują nie tylko zdobyte nagrody, ale także trwałość jego stylu gry. To naturalne podejście stało się źródłem inspiracji dla kolejnych pokoleń aktorów. Jego postacie wydawały się widzom realistyczne. Wpływ ten pozostaje aktualny także dzisiaj.
Tracy, uważany za jedną z najwybitniejszych postaci w historii kina, choć nie ma go już wśród nas, wciąż żyje na ekranie. Jego występy wciąż potrafią poruszyć współczesną publiczność. Ta odporność jest świadectwem szacunku dla jego sztuki.
Dziedzictwo Spencer Tracy to nie tylko zdobycie dwóch Oscarów z rzędu. Wchodząc na scenę jako jedna z najbardziej dominujących postaci lat trzydziestych, Tracy wystąpił w swojej karierze w 74 filmach. Role w filmach Boys Town i Captains Courageous przyniosły mu najbardziej prestiżowe nagrody tamtych czasów. Po latach jego nazwisko nadal znajduje się na czołowych miejscach list „najlepszych”. Role, które odegrał, są przewodnikiem dla współczesnych młodych talentów.
Teraz kolej na kolejną legendę.
19. George Arliss
Dlaczego George Arliss pozostaje punktem odniesienia dla ery kina niemego
Oscarowa historia George’a Arlissa może wydawać się nieco dziwna według współczesnych standardów. Jako jedyny w historii ustanowił rekord, wygrywając zarówno w kategorii aktor pierwszoplanowy, jak i w kategorii aktor drugoplanowy (istniejąca wówczas). W 1930 roku zdobył Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego za rolę Disraeli, a w 1931 tę samą nagrodę dla najlepszego aktora drugoplanowego za rolę w Zielonej bogini. Ten podwójny sukces to jeden z nielicznych przykładów zwycięstw tego samego artysty w wielu kategoriach.
Strategia od sceny do ekranu
Sukces Arlissa nie był tylko przypadkiem. Był już gwiazdą teatru, która pozostawiła na scenie jasny ślad. Filmowe adaptacje sztuk „Disraeli” i „Zielona Bogini” stworzyły idealną podstawę do przejścia do kina. Widzowie znali już te postacie. Było zaufanie. Odzwierciedlało to strategię wielu ówczesnych aktorów teatralnych, którzy rozpoczynali karierę filmową. Arliss wzniósł sprawę na wyższy poziom, pozwalając tym samym postaciom zdobywać nagrody w różnych kategoriach.
Jak jego dziedzictwo wpływa na współczesnych aktorów charakterystycznych
Styl Arlissa kojarzony jest z odgrywaniem postaci poważnych, inteligentnych, a czasem przebiegłych. Jego portret Benjamina Disraeli w filmie Disraeli nie tylko przedstawił postać historyczną; odzwierciedlało to także ówczesną atmosferę polityczną. W Zielonej Bogini przyjął bardziej tajemniczą, autorytarną rolę. Ta różnorodność pokazała, że aktor drugoplanowy nie może być tylko cieniem, ale znajdować się w centrum fabuły.
Dziś, gdy wielu aktorów szczyci się „metodą”, czyli naturalną grą aktorską, styl teatralny Arlissa z jego wyrazistą dykcją był bardziej przekonujący dla ówczesnej publiczności. Dziś jego wartość jako dokumentu kulturowego epoki jest niezaprzeczalna. Jego sukcesy dowodzą, jak konkurencyjne było środowisko w ciągu pierwszych dziesięciu lat historii kina.
Porównanie Ar
20. Emil Jannings
Emila Janningsa. Jego nazwisko było jednym z tych, które można było usłyszeć podczas pierwszej ceremonii wręczenia Oscarów. Tak naprawdę podczas tych ceremonii nagroda dla najlepszego aktora nie została przyznana tylko jednej osobie. W latach 1927 i 1928 nagrody przyznano osobno. Jannings jest jedyną osobą, która otrzymała obie te nagrody. Pierwszy zwycięzca.
Pochodził z Niemiec. Jeden z gigantów kina niemego. Jednak sukces ten osiągnął nie tylko dzięki filmom niemym. Z powodzeniem wykorzystał także skok technologiczny tamtych czasów – przejście do kina dźwiękowego. Do historii przeszedł dzięki filmom „Ostatni rozkaz” i „Droga całego ciała”.
Ma wyjątkowy status: jedyny aktor kina niemego, który zdobył Oscara. To trochę ironiczne, ponieważ talkie dopiero wtedy zyskiwały na popularności. Jannings wrócił do Niemiec, gdzie kontynuował karierę. Jego stosunki z reżimem nazistowskim stały się później przedmiotem kontrowersji. Rzuciło to także cień na jego dziedzictwo. Nie odebrano mu jednak tytułu pierwszego zdobywcy Oscara.
21. Walter Huston
Waltera Houstona. Pochodził z rodziny, w której jego ojciec był senatorem. Aktorstwo stało się tradycją rodzinną. Jego syn John Huston stał się sławnym reżyserem. Daniel Day-Lewis jest jego wnukiem. Ta rodzina ma kino w swoim kodzie genetycznym.
Walter sam odniósł sukces. Zdobył Oscara za „Skarb Sierra Madre”. Jego rola była rolą górnika mającego obsesję na punkcie zysku i chciwości. Występ ten uznawany jest za jeden z najlepszych w historii kina w kategorii Najlepszy aktor drugoplanowy.
Houston rozpoczął karierę w teatrze. Pracował na Broadwayu. Potem przeniósł się do Hollywood. Z powodzeniem zaadaptował się do epoki filmów dźwiękowych. Świetnie spisał się w starszych rolach męskich. Nie ograniczał się jednak tylko do takich postaci. Próbował różnych ról.
Kiedy zdobył Oscara, miał 65 lat. Jak na tamte czasy był to całkiem przyzwoity wiek dla zdobywcy nagrody w kategorii „Najlepszy aktor drugoplanowy”. W czasach, gdy błyszczały młode gwiazdy, takie jak Gene Kelly, szczególną uwagę zwracało zwycięstwo starszego aktora.
22. Spencer Tracy
Spencera Tracy’ego. Jeden z najbardziej realistycznych aktorów Hollywood. Słynął ze swojej naturalności. Miał styl gry pozbawiony fałszu, szczery i prawdomówny.
Zdobył dwa Oscary. Za filmy „Kapitani odważni” i „Zgadnij, kto przyjdzie na obiad”. Kiedy otrzymał drugą nagrodę, był już chory. I rzeczywiście, był bardzo chory. Niewydolność serca i inne problemy zdrowotne utrudniały mu filmowanie. Ten stan zdrowia wpłynął nawet na jego grę aktorską.
Tracy była jedną z najdroższych gwiazd MGM. Jednak ten status nie miał na niego żadnego wpływu. Skupiał się wyłącznie na swojej pracy. Reżyserzy bali się z nim pracować. Dlaczego? Ponieważ Tracy na scenie…
Emil Jannings: pierwszy zdobywca Oscara dla najlepszego aktora pierwszoplanowego i jego ciche dziedzictwo
Zaczynał od sceny teatralnej. Emil Jannings, dziś nierozerwalnie związany z historią kina niemego, nie stał się sławny przez przypadek. Swoje umiejętności doskonalił w teatrze. Zaproszenie pochodziło od firmy, którą wszyscy uważali za najlepszą na świecie. Scena berlińska Maxa Reinhardta. To była linia startu.
Już w 1914 roku zajął się kinem. Przejście nie zawsze przebiegało gładko. Przejście ze sceny na żywo do kamery wymagało innego rodzaju bezruchu, innego rodzaju prawdy.
Rola, która zdefiniowała epokę
Jego międzynarodowy rozwój można przypisać jednemu konkretnemu filmowi. „The Last Man” Nie tylko zagrał w tym niemym klasyku. Uosabiał wyczerpanie, godność i miażdżący ciężar statusu społecznego. To nie był tylko występ. To było objawienie.
Przed tym filmem był postacią znaną w Europie. Po nim – nazwa rozpoznawalna poza granicami. Wreszcie nadszedł profesjonalny debiut, którego potrzebował.
Pierwszy zdobywca Oscara w Hollywood
Większość jego prac pozostała cicha. Nie potrzebował dialogów, aby oddać głębię swoich bohaterów. Ale Hollywood zwróciło na niego uwagę. Szczególnie dwie role ugruntowały jego pozycję w amerykańskim przemyśle.
„Droga wszelkiego ciała” i „Ostatni rozkaz”.
W tych filmach pokazał tak surowe, intensywne występy, że inauguracyjna ceremonia wręczenia Oscarów nabrała szczególnego znaczenia. Zdobył Najlepszy aktor. Był to pierwszy Oscar przyznany w tej kategorii.
„Nagroda jest obecnie przechowywana w Berlińskim Muzeum Filmowym, ale spektakl pozostaje na ekranie.”
Dlaczego jego zwycięstwo jest dziś ważne
Zdobycie nagrody dla najlepszego aktora pierwszoplanowego na pierwszych Oscarach było czymś więcej niż tylko osobistym triumfem. Stworzyła precedens. Pokazała wytwórniom, że poważne, dramatyczne aktorstwo – zwłaszcza w wykonaniu europejskiego aktora – ma w Hollywood ogromną wartość komercyjną i krytyczną.
Zostawił ślad, który nie był powierzchowny. Miało charakter strukturalny. Sama nagroda jest obecnie obiektem statycznym w muzeum w Berlinie. Jego twórczość żyje nadal w ramach tych filmów. Na tym polega różnica między celebrytą a artystą.
Udowodnił, że niemy film może być głośniejszy niż słowa. I przez krótki czas, w połowie lat dwudziestych, był królem tej ciszy.
