Conoces ese sentimiento. Los violines chirriantes suenan. Escena de la ducha. El cuchillo. Pánico. O tal vez sea un violonchelo profundo y palpitante que insinúa que algo poderoso acecha justo debajo de la superficie. Jaws no necesitaba mostrarle el tiburón para que sintieras el pavor. Éste es el poder de un compositor de cine.
En películas como Psicosis (1960) y Tiburón (1975), la partitura no sólo acompaña la acción. Se convierte en la columna vertebral emocional. Se integra tan perfectamente con el diálogo y el movimiento que apenas se nota. Sin embargo, esos motivos persisten. Duran más allá de los créditos finales. Traen recuerdos de misiones épicas en Star Wars, el encanto caprichoso de Harry Potter o lo mucho que está en juego en El Señor de los Anillos.
Danny Elfman, Howard Shore y John Williams son los artífices de estos sentimientos. Pero detrás de esta magia perfecta se esconde la rutina. No es sólo inspiración. Es logística.
La realidad detrás de la partitura
Hacer la banda sonora de una película es una pesadilla logística disfrazada de arte. El compositor inicia una conversación con el director. Tienen que ponerse de acuerdo sobre el concepto sonoro. Luego viene la escritura. La música debe coincidir con el tono de determinadas escenas. Y tiene que tener la longitud adecuada. Ni un segundo demasiado. Ni un segundo demasiado corto.
Una vez que las notas están en la página, comienza el verdadero trabajo. Hay que contratar músicos. Los estudios deben estar reservados. Las sesiones deben grabarse. Y a pesar de todo ello, la fecha límite está cada vez más cerca. Siempre.
¿Qué hace realmente un compositor de cine?
Entonces, ¿cómo se siente asumir semejante responsabilidad? ¿Cómo llegas allí? Y si preguntaras a los profesionales, ¿qué dirían que es un buen resultado?
La revista Variety pidió recientemente a 12 compositores destacados que nombraran las partituras de sus películas favoritas. Sus elecciones revelan mucho sobre lo que resuena en la industria.
Esto es lo que eligieron los profesionales:
- “Érase una vez en Occidente” de Ennio Morricone
- “ET”, “Star Wars” y “Jurassic Park” John Williams
- “Psicosis” de Bernard Herrmann
- “Poltergeist” y “The Omen” de Jerry Goldsmith
- “El Señor de los Anillos” de Howard Shore
Estas no son sólo melodías populares. Son estudios de casos de cómo la música dirige la atención y manipula las emociones. Pero para entender por qué estos puntajes funcionan, hay que observar la mecánica del trabajo.
La música para una película no es una tarea única para todos. El trabajo varía mucho según el proyecto. Un día escribes un guión bajo orquestal dramático y arrollador; Al momento siguiente estás trabajando con un conjunto pequeño y una paleta tonal completamente diferente. El trabajo de un compositor de cine es básicamente crear la música que impulsa la película. Pero los mecanismos detrás de esta magia son sorprendentemente burocráticos y colaborativos.
La sesión de spotting y la puntuación
El proceso suele comenzar tras el rodaje de la película y en la sala de montaje. El compositor se reúne con el director y los productores para determinar qué debe hacer la música. Esto conduce a una sesión de localización.
Aquí el compositor, el director y las personas clave se sientan juntos y miran la película de principio a fin. Te detienes en determinados momentos para decidir:
- ¿Dónde empieza la música?
- ¿Dónde termina?
- ¿Por qué está ahí?
- ¿Cómo debería sonar?
Una vez que se toman estas decisiones, comienza la escritura real. Una partitura es una colección de todas estas partes musicales. La música de un largometraje suele tener aproximadamente la mitad de la duración de la película en sí, por lo que si vas a componer una película de 100 minutos, necesitarás escribir, arreglar y producir unos 50 minutos de música original.
Antes de transmitir la música, el compositor prepara la música para los músicos. En grandes proyectos de estudio, esto puede significar dar notas preliminares y bocetos a arreglistas y copistas para completar las partes de un músico.
¿Quién más está en la habitación?
En películas más pequeñas o independientes, el compositor tiene más papeles. Podrías contratar a los músicos tú mismo. Podrías guiarlos. Incluso podrías saltar a la bahía de edición para ayudar a mezclar la partitura final.
En producciones más grandes, sin embargo, la carga de trabajo se distribuye entre un equipo especializado. Aquí te indicamos con quién más trabajarás:
Editor de música
Mezclan y sincronizan la música con la imagen. A menudo supervisan todo el proceso de puntuación y se aseguran de que el audio coincida perfectamente con las señales visuales.
El orquestador
Cuando el compositor escribe un sencillo boceto para piano, la orquesta lo traduce en partes completas para orquesta, banda, coro o solistas. También puedes transponer música a diferentes instrumentos y dirigirla durante las sesiones de grabación.
Contratista
Esta persona contrata músicos y se encarga del papeleo, incluidos los contratos sindicales, a través de la Federación Estadounidense de Músicos. No querrás ser tú quien llame a los jugadores locales para negociar tarifas.
El arreglista de la película
Si el compositor aún no ha creado una partitura completa para los músicos, interviene el arreglista. Sigue las instrucciones del compositor y crea la partitura final.
Director de cine
Ensayan a los músicos y dirigen la sesión. Durante la grabación, reciben instrucciones del compositor y productor y guían a los intérpretes para realizar cambios sobre la marcha.
Asistente del compositor
Un trabajo de nivel inicial para alguien que se preocupa por los detalles esenciales. Esto le da al compositor la libertad de centrarse completamente en el lado creativo.
Diseñador de sonido
Crean música sintetizada y efectos de sonido que se combinan con la partitura en vivo. Es una mezcla de textura orgánica y digital.
La realidad del trabajo
El trabajo trata tanto de logística como de melodía. Hay que lidiar con las reglas sindicales, la sincronización técnica y el gusto subjetivo de directores que tal vez no hablen el idioma de la música.
Es un ambiente de alta presión. Una señal equivocada y el arco emocional de la escena colapsa. ¿Próximo? Una gran ovación en un festival porque el guión hizo llorar al público durante tres minutos seguidos.
¿Qué papel crees que se pasa más por alto en el proceso de composición cinematográfica? ¿Conductor? ¿Asistente? ¿O tal vez un contratista que se asegure de que todos reciban su pago?
El cambio independiente
Cuando el sistema de estudios era el rey indiscutible de Hollywood, ser compositor de películas era esencialmente un trabajo corporativo. Eras un empleado. Espere pasar del gran romance orquestal al valiente jazz negro. Y crear una banda sonora puede llevar meses y, a menudo, no entras en una película hasta que tienes el primer corte editado frente a ti.
Esos días ya pasaron.
La mayoría de los compositores de cine trabajan hoy en día como autónomos. El cronograma se ha acortado. Crear y grabar una hora de música puede llevar seis semanas en lugar de meses. La tecnología digital y las pistas temporales han convertido la filmación, la edición y la composición en una superposición caótica.
Por supuesto, la tecnología ha hecho que escribir canciones sea más fácil. Ya no es necesario copiar manualmente cada parte de un instrumento de una partitura grande. Pero como en otras industrias, las herramientas que ahorran mano de obra aumentan la presión por la velocidad.
Para sobrevivir, debes convertirte en un pragmático creativo. Necesitas un talento musical sólido, pero también debes tener habilidades en técnicas de mezcla de audio. Tomemos como ejemplo a Cody Westheimer. Su estudio está ubicado en una casa de huéspedes de Los Ángeles y su instalación se basa en:
- Intérprete digital para Macintosh G5
- 3 ordenadores con Gigastudio
- algunos sintetizadores
- Preamplificadores Millenia
- Micrófonos Audio Technica
- Mezclador digital Panasonic
El negocio de ser independiente
作曲家の数は音楽の仕事の数よりもはるかに多いのです. つまり、一人で外出するときは、ただメモを書くだけではありません. あなたはビジネスを経営しています.
ロバート・トテラスは独立した作曲家で、時間の半分を 音楽制作に費やし、残りの半分を仕事に費やしています. 彼にとってのライフラインはインターネットと、新旧の連絡先を厳選したリストです.
この業界のはしごを登るには、時間、つながり、柔軟性が必要です. 長編映画のスコアリングを始めるわけではありません. ウェストハイマーは南カリフォルニア大学の学生映画でキャリアをスタートしました. 彼は現在、ビデオゲーム、教育番組、コマーシャル、短編 映画、予告編、ドキュメンタリーの音楽を担当しています.
¿La composición cinematográfica te parece una carrera profesional? Si es así, necesita saber por dónde empezar.
Convertirse en compositor de cine
No hay un único camino hacia la silla del director
No necesitas una hoja de ruta específica para convertirte en compositor de películas. El mito de la trayectoria profesional lineal es sólo eso: un mito. Como lo revelan las respuestas de doce compositores de cine a Variety, la mayoría no esperó hasta la universidad para darse cuenta de que quería escribir música para películas. Se inspiraron en la pantalla mucho antes de que terminara la escuela secundaria. ¿El hilo conductor? Un profundo amor por el cine y las herramientas para traducirlo en sonido.
¿Pero el viaje en sí? Eso varía enormemente.
Tomemos como ejemplo a John Williams. Cinco veces ganador del Oscar. El hombre detrás de Star Wars, Indiana Jones y Harry Potter. No llegó al cine por casualidad. Estudió piano en Juilliard y luego pasó años tocando en clubes de Nueva York como pianista de jazz. Su entrada al cine se produjo a través de la tutoría, trabajando junto a leyendas como Bernard Herrmann.
Luego está Howard Shore. Graduado del Berklee College of Music. Bajista de jazz del grupo Lighthouse. Director musical de Saturday Night Live. Su carrera cinematográfica no comenzó con un éxito de taquilla. Comenzó con una colaboración con el director David Cronenberg que ha durado doce películas. Ganó premios Oscar por El Señor de los Anillos, pero la base se basó en asociaciones artísticas, no solo en habilidades técnicas.
Danny Elfman ofrece una tercera ruta. Autodidacta. Líder de la banda de rock Oingo Boingo. Compuso la música para las películas de Tim Burton durante años, además de Batman Returns, Spider-Man y Men in Black. Sin invernadero. Sólo talento, una banda y una voz distinta que los directores no podían ignorar.
Si realmente quiere seguir sus pasos, esto es lo que realmente importa en la industria en este momento.
Dónde aprender a componer películas
Necesitas credenciales, pero no cualquier credencial. Un título en música o un campo de entretenimiento relacionado es el boleto de entrada estándar. Pero la escuela importa.
Busque programas con fuertes vínculos cinematográficos. La Universidad del Sur de California (USC) y la Universidad de Nueva York (NYU) son opciones de primer nivel porque integran la música cinematográfica en un plan de estudios cinematográfico más amplio. Berklee College of Music es otra potencia, específicamente por su especialidad dedicada a la música cinematográfica.
¿Por qué esto importa? No se trata sólo de aprender teoría. Se trata de acceso. Aprendes los aspectos técnicos de la composición para fotografías. Más importante aún, conoces a directores estudiantiles. Estos son tus primeros colaboradores. Se convierten en tus primeros clientes. Se convierten en tu red.
Creación de un portafolio que se escuche
Probablemente no comenzarás con largometrajes. Eso es raro. Empiezas poco a poco. Comerciales. Películas estudiantiles. Remolques. Proyectos independientes.
Aquí es donde construyes tu alcance. Diversos tipos de películas y variados estilos musicales crean un portafolio más amplio. Los directores quieren ver que puedes adaptarte. Un drama necesita una cosa. Una comedia necesita otra. Un tráiler de terror necesita algo completamente diferente.
Tu portafolio es tu currículum. Pero también es tu carrete de demostración. Los directores y productores están ocupados. No escucharán más de 20 minutos de trabajo de muestra. Cree CD de demostración temáticos o paquetes digitales. Envía el paquete de terror a un director de terror. Envía el paquete de comedia a un productor de comedia.
Pero recuerda esta dura verdad: están más interesados en tus créditos cinematográficos que en tu música. Si tienes un nombre en un cartel, aunque sea pequeño, eso abre puertas que la música por sí sola podría no abrir.
La creación de redes no es negociable
Haz conexiones. En serio. Necesita conectarse con directores y actores clave de la industria que puedan ofrecerle trabajo o, al menos, conocer a alguien que pueda hacerlo.
Las relaciones director-compositor suelen ser a largo plazo. Muchos directores siguen con el mismo compositor durante toda su carrera. Sea ese compositor. Construya relaciones temprano. Asiste a las proyecciones. Ir a mezcladores industriales. Sea la persona a la que los directores quieran llamar cuando tengan una escena que no funcione.
Ubicación, Ubicación, Ubicación
Internet hace posible el trabajo remoto. Pero la mayoría de los compositores de cine todavía necesitan estar en la misma ciudad que los directores y editores con los que trabajan.
¿Dónde están los trabajos? Sur de California y Nueva York.
Estos centros no sólo son convenientes; son esenciales para la naturaleza colaborativa de la música cinematográfica. Debes estar en la habitación cuando cambie la imagen. Debes estar disponible para las sesiones de puntuación de último momento. Necesitas ser parte del ecosistema.
La realidad de la industria
Es persistente. Está duro. Requiere talento, educación, contactos y mucha suerte.
Pero si puedes lograrlo, podrás hacer algo único. Puedes crear los temas que persisten mucho después de que pasan los créditos. Puedes definir cómo se siente la audiencia durante dos horas.
Ese es el trabajo.
Fuentes y lecturas adicionales
Para obtener más información sobre la mecánica de esta industria, consulte estos recursos:
- Red de música y cine
- Revista de Música de Cine
- Berklee College of Music : carreras en composición cinematográfica
- Película musical mensual : Preguntas frecuentes
- IMC : Danny Elfman Biografía
- Edwin Wendler : Consejos para aspirantes a compositores
- Variedad : “¿Qué te hizo querer ser compositor?” (2008)
- Contenido asociado : Entrevista con James Guymon
- Hitsquad Musician Network : Entrevista con Cody Westheimer
- IMDb : Premios Jerry Goldsmith
- Libro : On the Track de Fred Karlin y Rayburn Wright
