Comenzaron en las salas de estar. No hubo escenario. No hay llamada a telón. Sólo un grupo de escritores y artistas de Provincetown, Massachusetts, que estaban cansados de ver las mismas obras de siempre y decidieron escribir las suyas propias.
Los Provincetown Players se formaron en 1915. Su objetivo era simple, aunque un poco arrogante: producir trabajo nuevo y experimental. No les importaba el éxito comercial. Se preocupaban por incluir palabras en una página y ponerlas frente a una audiencia, por pequeña que fuera esa audiencia.
La lista inicial parecía un quién es quién del modernismo estadounidense. Estaban Mary Heaton Vorse, George Cram Cook, Susan Glaspell, Hutchins Hapgood, Wilbur Steele y Robert Edmond Jones. Se trataba de personas que no necesariamente se identificaron primero como profesionales del teatro. Eran escritores y artistas que se encontraban en el mismo lugar al mismo tiempo.
Luego llegó 1916.
Ese año, el grupo viajó a la ciudad de Nueva York. Pusieron en escena Bound East for Cardiff y Thirst de Eugene O’Neill. Esta no fue simplemente otra prueba fuera de Broadway. Fue la plataforma de lanzamiento de uno de los dramaturgos más distinguidos de Estados Unidos. O’Neill estuvo a punto de cambiar el rumbo del drama americano, y los Provincetown Players fueron quienes le entregaron el micrófono.
Ese invierno, la compañía trasladó su base de operaciones a Greenwich Village. A partir de ahí, operaron como un teatro estrictamente no comercial durante la siguiente década. No persiguieron números de taquilla. Perseguían el talento.
La lista de personas que descubrieron y desarrollaron es asombrosa. Estamos hablando de Floyd Dell. Edna St. Vincent Millay, cuya Aria da Capo se interpretó allí. Diseñadores como Donald Oenslager. Directores como Kenneth Macgowan. Actores como Jasper Deeter.
Y luego estaba Paul Green. El grupo defendió su obra En el seno de Abraham. Ganó el Premio Pulitzer en 1927.
¿Por qué esto importa ahora? Porque los Provincetown Players demostraron que no se necesita un presupuesto de Broadway para iniciar un movimiento. Sólo necesitas la voluntad de correr riesgos. Operaban fuera del sistema comercial, lo que significaba que podían correr riesgos que los productores comerciales no tocarían.
El grupo floreció hasta que cerró en 1929. Para entonces, habían estimulado el trabajo de innumerables talentos teatrales que de otro modo podrían haber permanecido oscuros.
No se limitaron a montar obras de teatro. Construyeron una plataforma. Y una vez que existió esa plataforma, el resto de la industria tuvo que prestar atención.
El modelo que crearon (experimental, no comercial, centrado en el escritor) resuena en el teatro hasta el día de hoy. Pero en aquel entonces era radical. Fue peligroso. Era necesario.
Todavía citamos su trabajo. Todavía estudiamos las jugadas que defendieron. Pero el verdadero legado podría ser la estructura misma. La idea de que el arte puede existir fuera del mercado.
Es un buen pensamiento. Hasta que intentas pagar el alquiler.
