Sie begannen in Wohnzimmern. Es gab keine Bühne. Kein Vorhang. Nur eine Gruppe von Schriftstellern und Künstlern in Provincetown, Massachusetts, die es satt hatten, immer dieselben alten Stücke anzuschauen, und beschlossen, ihre eigenen zu schreiben.
Die Provincetown Players wurden 1915 gegründet. Ihr Ziel war einfach, wenn auch etwas arrogant: neue, experimentelle Werke zu produzieren. Der kommerzielle Erfolg war ihnen egal. Es ging ihnen darum, Wörter auf eine Seite zu bringen und sie einem Publikum vorzustellen, egal wie klein dieses Publikum auch sein mag.
Der frühe Kader las sich wie ein Who-is-Who der amerikanischen Moderne. Sie hatten Mary Heaton Vorse, George Cram Cook, Susan Glaspell, Hutchins Hapgood, Wilbur Steele und Robert Edmond Jones. Das waren Leute, die sich nicht unbedingt zuerst als Theaterprofis identifizierten. Es waren Schriftsteller und Künstler, die sich zufällig zur gleichen Zeit am selben Ort aufhielten.
Dann kam das Jahr 1916.
In diesem Jahr reiste die Gruppe nach New York City. Sie inszenierten Eugene O’Neills „Bound East for Cardiff“ und „Thirst“. Dies war nicht nur ein weiteres Off-Off-Broadway-Testspiel. Es war der Ausgangspunkt für einen der bedeutendsten Dramatiker Amerikas. O’Neill war dabei, den Lauf des amerikanischen Dramas zu ändern, und die Provincetown Players waren diejenigen, die ihm das Mikrofon überreichten.
In diesem Winter verlegte die Truppe ihre Operationsbasis nach Greenwich Village. Von da an fungierten sie das nächste Jahrzehnt lang als rein nichtkommerzielles Theater. Sie waren nicht auf der Suche nach Kassenzahlen. Sie jagten Talente.
Die Liste der Menschen, die sie entdeckt und entwickelt haben, ist atemberaubend. Die Rede ist von Floyd Dell. Edna St. Vincent Millay, deren Aria da Capo dort aufgeführt wurde. Designer wie Donald Oenslager. Regisseure wie Kenneth Macgowan. Schauspieler wie Jasper Deeter.
Und dann war da noch Paul Green. Die Gruppe setzte sich für sein Stück „In Abrahams Busen“ ein. Es gewann 1927 den Pulitzer-Preis.
Warum ist das jetzt wichtig? Denn die Provincetown Players haben bewiesen, dass man kein Broadway-Budget braucht, um eine Bewegung zu starten. Sie brauchen lediglich die Bereitschaft, Risiken einzugehen. Sie operierten außerhalb des kommerziellen Systems, was bedeutete, dass sie Risiken eingehen konnten, die kommerzielle Produzenten nicht eingehen würden.
Die Gruppe florierte bis zu ihrer Auflösung im Jahr 1929. Bis dahin hatten sie die Arbeit unzähliger Theatertalente angeregt, die sonst vielleicht im Dunkeln geblieben wären.
Sie führten nicht nur Theaterstücke auf. Sie bauten eine Plattform. Und sobald diese Plattform existierte, musste der Rest der Branche aufpassen.
Das von ihnen geschaffene Modell – experimentell, nichtkommerziell, autorzentriert – hallt bis heute im Theater wider. Aber damals war es radikal. Es war gefährlich. Es war notwendig.
Wir zitieren immer noch ihre Arbeit. Wir studieren immer noch die Stücke, die sie vertraten. Aber das eigentliche Erbe könnte die Struktur selbst sein. Die Idee, dass Kunst außerhalb des Marktes existieren kann.
Das ist ein schöner Gedanke. Bis Sie versuchen, die Miete zu bezahlen.
