Hanno iniziato nei salotti. Non c’era palco. Nessuna chiamata alla ribalta. Solo un gruppo di scrittori e artisti di Provincetown, Massachusetts, che erano stanchi di guardare le stesse vecchie opere teatrali e decisero di scriverne di proprie.
I Provincetown Players si formarono nel 1915. Il loro obiettivo era semplice, anche se un po’ arrogante: produrre nuovo lavoro sperimentale. A loro non importava il successo commerciale. A loro importava mettere le parole su una pagina e metterle di fronte a un pubblico, per quanto piccolo potesse essere.
Il primo elenco si leggeva come un who’s who del modernismo americano. C’erano Mary Heaton Vorse, George Cram Cook, Susan Glaspell, Hutchins Hapgood, Wilbur Steele e Robert Edmond Jones. Queste erano persone che non si identificavano necessariamente prima come professionisti del teatro. Erano scrittori e artisti che si trovavano nello stesso posto nello stesso momento.
Poi venne il 1916.
Quell’anno, il gruppo si recò a New York City. Hanno messo in scena Bound East for Cardiff e Thirst di Eugene O’Neill. Questa non era solo un’altra prova off-off-Broadway. È stato il trampolino di lancio per uno dei drammaturghi più illustri d’America. O’Neill stava per cambiare il corso del dramma americano e i Provincetown Players furono quelli che gli passarono il microfono.
Quell’inverno, la troupe trasferì la sua base operativa al Greenwich Village. Da lì, per il decennio successivo, operarono come teatro rigorosamente non commerciale. Non hanno inseguito i numeri al botteghino. Hanno inseguito il talento.
L’elenco delle persone che hanno scoperto e sviluppato è sconcertante. Stiamo parlando di Floyd Dell. Edna St. Vincent Millay, la cui Aria da Capo venne eseguita lì. Designer come Donald Oenslager. Registi come Kenneth Macgowan. Attori come Jasper Deeter.
E poi c’era Paul Green. Il gruppo ha sostenuto la sua opera In Abraham’s Bosom. Vinse il Premio Pulitzer nel 1927.
Perché è importante adesso? Perché i Provincetown Players hanno dimostrato che non è necessario un budget per Broadway per avviare un movimento. Serve solo la volontà di correre dei rischi. Operavano al di fuori del sistema commerciale, il che significava che potevano correre rischi che i produttori commerciali non avrebbero toccato.
Il gruppo fiorì fino alla sua chiusura nel 1929. A quel punto, avevano stimolato il lavoro di innumerevoli talenti teatrali che altrimenti sarebbero rimasti oscuri.
Non si limitavano a mettere in scena spettacoli teatrali. Hanno costruito una piattaforma. E una volta esistita quella piattaforma, il resto del settore ha dovuto prestare attenzione.
Il modello che hanno creato – sperimentale, non commerciale, incentrato sullo scrittore – riecheggia nel teatro ancora oggi. Ma allora era radicale. Era pericoloso. Era necessario.
Citiamo ancora il loro lavoro. Studiamo ancora le opere da loro sostenute. Ma la vera eredità potrebbe essere la struttura stessa. L’idea che l’arte possa esistere fuori dal mercato.
È un bel pensiero. Finché non provi a pagare l’affitto.
