Vous connaissez ce sentiment. Les violons grattants piquent. Scène de douche. Le couteau. Panique. Ou peut-être s’agit-il d’un violoncelle profond et palpitant qui fait allusion à quelque chose de puissant qui se cache juste sous la surface. Jaws n’avait pas besoin de montrer le requin pour que vous ressentiez la peur. C’est le pouvoir d’un compositeur de films.
Dans des films comme Psycho (1960) et Jaws (1975), la musique n’accompagne pas seulement l’action. Cela devient la colonne vertébrale émotionnelle. Il se fond si parfaitement dans le dialogue et le mouvement que vous le remarquez à peine. Cependant, ces motifs restent. Ils durent au-delà du générique de fin. Ils rappellent des souvenirs de missions épiques dans Star Wars, le charme fantaisiste de Harry Potter ou les lourds enjeux du Seigneur des Anneaux.
Danny Elfman, Howard Shore et John Williams sont les architectes de ces sentiments. Mais derrière cette magie transparente se cache la difficulté. Ce n’est pas seulement une question d’inspiration. C’est de la logistique.
La réalité derrière le score
Faire une musique de film est un cauchemar logistique déguisé en art. Le compositeur entame une conversation avec le réalisateur. Ils doivent se mettre d’accord sur le concept sonore. Vient ensuite l’écriture. La musique doit correspondre au ton de certaines scènes. Et il faut que ce soit de la bonne longueur. Pas une seconde de trop. Pas une seconde de trop courte.
Une fois les notes sur la page, le vrai travail commence. Il faut embaucher des musiciens. Les studios doivent être réservés. Les séances doivent être enregistrées. Et malgré tout cela, l’échéance se rapproche de plus en plus. Toujours.
Que fait réellement un compositeur de films ?
Alors, qu’est-ce que ça fait d’assumer une telle responsabilité ? Comment y arrive-t-on ? Et si vous demandiez aux pros, que diraient-ils comme étant un bon résultat ?
Le magazine Variety a récemment demandé à 12 compositeurs de premier plan de nommer leurs musiques de films préférées. Leurs choix en disent long sur ce qui résonne dans l’industrie.
Voici ce que les pros ont choisi :
- “Il était une fois dans l’Ouest” d’Ennio Morricone
- “ET”, “Star Wars” et “Jurassic Park” John Williams
- “Psycho” de Bernard Herrmann
- “Poltergeist” et “The Omen” de Jerry Goldsmith
- “Le Seigneur des Anneaux” de Howard Shore
Ce ne sont pas seulement des morceaux populaires. Ce sont des études de cas sur la façon dont la musique dirige l’attention et manipule les émotions. Mais pour comprendre pourquoi ces scores fonctionnent, il faut examiner la mécanique du travail.
La composition d’une musique pour un film n’est pas une tâche unique. Le travail varie considérablement selon le projet. Un jour, vous écrivez une trame orchestrale radicale et dramatique ; L’instant d’après, vous travaillez avec un petit ensemble et une palette tonale complètement différente. Le travail d’un compositeur de films consiste essentiellement à créer la musique qui anime le film. Mais les mécanismes derrière cette magie sont étonnamment bureaucratiques et collaboratifs.
La séance de repérage et le score
Le processus commence généralement après le tournage du film et dans la salle de montage. Le compositeur rencontre le réalisateur et les producteurs pour déterminer ce que la musique doit faire. Cela conduit à une séance de repérage.
Ici, le compositeur, le réalisateur et les personnes clés s’assoient ensemble et regardent le film du début à la fin. Vous vous arrêtez à certains moments pour décider :
- Où commence la musique ?
- Où ça s’arrête ?
- Pourquoi est-il là ?
- À quoi ça devrait ressembler ?
Une fois ces décisions prises, l’écriture proprement dite commence. Une partition est une collection de toutes ces parties musicales. La musique d’un long métrage fait généralement environ la moitié de la durée du film lui-même, donc si vous composez la musique d’un film de 100 minutes, vous devrez écrire, arranger et produire environ 50 minutes de musique originale.
Avant de transmettre la musique, le compositeur prépare la musique pour les musiciens. Sur les grands projets de studio, cela peut impliquer de donner des notes et des croquis aux arrangeurs et aux copistes pour compléter les parties des musiciens.
Qui d’autre est dans la pièce ?
Dans les films plus petits ou indépendants, le compositeur joue davantage de rôles. Vous pouvez embaucher les musiciens vous-même. Vous pourriez les diriger. Vous pouvez même passer à la zone d’édition pour aider à mélanger la partition finale.
Toutefois, dans les productions plus importantes, la charge de travail est répartie entre une équipe spécialisée. Voici avec qui d’autre vous travaillerez :
Éditeur de musique
Ils mélangent et synchronisent la musique avec l’image. Ils supervisent souvent l’ensemble du processus de notation, en s’assurant que l’audio correspond parfaitement aux repères visuels.
L’orchestrateur
Lorsque le compositeur écrit une simple esquisse pour piano, l’orchestre la traduit en parties complètes pour orchestre, groupe, chœur ou solistes. Vous pouvez également transposer de la musique sur différents instruments et la diriger pendant les sessions d’enregistrement.
Entrepreneur
Cette personne embauche des musiciens et gère la paperasse, y compris les contrats syndicaux par l’intermédiaire de la Fédération américaine des musiciens. Vous ne voulez pas être celui qui appelle les acteurs locaux pour négocier les tarifs.
L’arrangeur du film
Si le compositeur n’a pas encore créé une partition complète pour les musiciens, l’arrangeur intervient. Il suit les instructions du compositeur et crée la partition finale.
Chef d’orchestre
Ils répètent les musiciens et dirigent la séance. Pendant l’enregistrement, ils suivent les instructions du compositeur et du producteur et guident les joueurs pour apporter des modifications à la volée.
Assistant du compositeur
Un emploi de débutant pour quelqu’un qui se soucie des moindres détails. Cela donne au compositeur la liberté de se concentrer entièrement sur le côté créatif.
Concepteur sonore
Ils créent de la musique synthétisée et des effets sonores qui accompagnent la partition live. C’est un mélange de texture organique et numérique.
La réalité du travail
Le travail porte autant sur la logistique que sur la mélodie. Il faut composer avec les règles syndicales, la synchronisation technique et le goût subjectif des réalisateurs qui ne parlent peut-être pas le langage de la musique.
C’est un environnement à haute pression. Un mauvais signal et l’arc émotionnel de la scène s’effondre. Suivant? Une standing ovation lors d’un festival parce que le soulignement a fait pleurer le public pendant trois minutes consécutives.
Selon vous, quel rôle est le plus négligé dans le processus de composition de musique de film ? Conducteur? Assistant? Ou peut-être un entrepreneur qui veille à ce que tout le monde soit payé ?
Le virage indépendant
Lorsque le système des studios était le roi incontesté d’Hollywood, être compositeur de films était essentiellement un travail en entreprise. Vous étiez un employé. Attendez-vous à passer d’une grande romance orchestrale à un jazz noir granuleux. Et la création d’une bande-son peut en fait prendre des mois, et souvent, vous ne vous lancez pas dans un film tant que vous n’avez pas le premier montage devant vous.
Ces jours sont révolus.
La plupart des compositeurs de films travaillent aujourd’hui en indépendant. Le délai a été raccourci. Créer et enregistrer une heure de musique peut prendre six semaines au lieu de plusieurs mois. La technologie numérique et les pistes éphémères ont transformé le tournage, le montage et la composition en une superposition chaotique.
Bien sûr, la technologie a rendu l’écriture de chansons plus facile. Plus besoin de copier manuellement chaque partie d’instrument d’une grande partition. Mais comme dans d’autres secteurs, les outils permettant d’économiser du travail augmentent la pression en faveur de la rapidité.
Pour survivre, vous devez devenir un pragmatique créatif. Vous avez besoin d’un solide talent musical, mais vous devez également maîtriser les techniques de mixage audio. Prenez Cody Westheimer par exemple. Son studio est situé dans une maison d’hôtes à Los Angeles et son installation est basée sur :
- Performer numérique pour Macintosh G5
- 3 ordinateurs avec Gigastudio
- quelques synthétiseurs
- Préamplis Millenia
- Micros Audio Technica
- Table de mixage numérique Panasonic
Le métier d’être indépendant
作曲家の数は音楽の仕事の数よりもはるかに多いのです. つまり、一人で外出するときは、ただメモを書くだけではありません。 あなたはビジネスを経営しています.
ロバート・トテラスは独立した作曲家で、時間の半分を 音楽制作に費やし、残りの半分を仕事に費やしています. 彼にとってのライフラインはインターネットと、新旧の連絡先を厳選したリストです.
この業界のはしごを登るには、時間、つながり、柔軟性が必要です。 長編映画のスコアリングを始めるわけではありません. Il s’agit d’un produit de qualité. 彼は現在、ビデオゲーム、教育番組、コマーシャル、短編 映画、予告編、ドキュメンタリーの音楽を担当しています.
La composition de films vous semble-t-elle être une carrière ? Si tel est le cas, vous devez savoir par où commencer.
Devenir compositeur de films
Il n’y a pas de chemin unique vers le fauteuil de chef d’orchestre
Vous n’avez pas besoin d’une feuille de route spécifique pour devenir compositeur de films. Le mythe du cheminement de carrière linéaire n’est que cela : un mythe. Comme le révèlent les réponses de douze compositeurs de films à Variety, la plupart n’ont pas attendu l’université pour réaliser qu’ils voulaient écrire de la musique pour des films. Ils ont été inspirés par l’écran bien avant la fin du lycée. Le fil conducteur ? Un amour profond pour le cinéma et les outils pour le traduire en son.
Mais le voyage lui-même ? Cela varie énormément.
Prenez John Williams. Cinq fois oscarisé. L’homme derrière Star Wars, Indiana Jones et Harry Potter. Il n’est pas tombé dans le cinéma par hasard. Il a étudié le piano à la Juilliard, puis a passé des années à jouer dans des clubs new-yorkais en tant que pianiste de jazz. Son entrée dans le cinéma s’est faite grâce au mentorat, aux côtés de légendes comme Bernard Herrmann.
Ensuite, il y a Howard Shore. Diplômé du Berklee College of Music. Bassiste de jazz du groupe Lighthouse. Directeur musical de Saturday Night Live. Sa carrière cinématographique n’a pas commencé avec un blockbuster. Tout a commencé par une collaboration avec le réalisateur David Cronenberg qui a duré douze films. Il a remporté des Oscars pour Le Seigneur des Anneaux, mais la fondation reposait sur des partenariats artistiques et pas seulement sur des compétences techniques.
Danny Elfman propose un troisième itinéraire. Autodidacte. Leader du groupe de rock Oingo Boingo. Il a composé la musique des films de Tim Burton pendant des années, ainsi que Batman Returns, Spider-Man et Men in Black. Pas de véranda. Juste du talent, un groupe et une voix distincte que les réalisateurs ne pouvaient ignorer.
Si vous souhaitez vraiment suivre leurs traces, voici ce qui compte réellement dans l’industrie en ce moment.
Où apprendre la musique de film
Vous avez besoin d’informations d’identification, mais pas de n’importe lesquelles. Un diplôme en musique ou dans un domaine de divertissement connexe constitue le ticket d’entrée standard. Mais l’école compte.
Recherchez des programmes ayant des liens étroits avec le cinéma. L’Université de Californie du Sud (USC) et l’Université de New York (NYU) sont des choix de premier ordre car elles intègrent la musique de film dans un programme cinématographique plus large. Le Berklee College of Music est une autre centrale électrique, en particulier pour sa spécialisation en musique de film.
Pourquoi est-ce important ? Il ne s’agit pas seulement d’apprendre la théorie. C’est une question d’accès. Vous apprenez les aspects techniques de la composition pour une image. Plus important encore, vous rencontrez des réalisateurs étudiants. Ce sont vos premiers collaborateurs. Ils deviennent vos premiers clients. Ils deviennent votre réseau.
Construire un portfolio qui se fait entendre
Vous ne vous lancerez probablement pas dans des longs métrages. C’est rare. Vous commencez petit. Publicités. Films étudiants. Remorques. Projets indépendants.
C’est ici que vous construisez votre gamme. Divers types de films et styles musicaux variés créent un portefeuille plus large. Les administrateurs veulent voir que vous pouvez vous adapter. Un drame a besoin d’une chose. Une comédie en a besoin d’une autre. Une bande-annonce d’horreur a besoin de tout autre chose.
Votre portfolio est votre CV. Mais c’est aussi votre démo. Les réalisateurs et les producteurs sont occupés. Ils n’écouteront pas plus de 20 minutes d’échantillons. Créez des CD de démonstration thématiques ou des packs numériques. Envoyez le pack d’horreur à un réalisateur d’horreur. Envoyez le pack comédie à un producteur de comédie.
Mais rappelez-vous cette dure vérité : ils sont plus intéressés par le générique de votre film que par votre musique. Si vous avez un nom sur une affiche, même petite, cela ouvre des portes que la musique seule ne pourrait pas ouvrir.
Le réseautage n’est pas négociable
Établissez des liens. Sérieusement. Vous devez entrer en contact avec des réalisateurs et des acteurs clés de l’industrie qui peuvent proposer du travail ou, à tout le moins, connaître quelqu’un qui le peut.
Les relations réalisateur-compositeur sont souvent à long terme. De nombreux réalisateurs restent fidèles au même compositeur tout au long de leur carrière. Soyez ce compositeur. Établissez des relations dès le début. Assistez aux projections. Accédez aux mélangeurs industriels. Soyez la personne que les réalisateurs veulent appeler lorsqu’ils ont une scène qui ne fonctionne pas.
Emplacement, emplacement, emplacement
Internet rend possible le travail à distance. Mais la plupart des compositeurs de films doivent toujours résider dans la même ville que les réalisateurs et monteurs avec lesquels ils travaillent.
Où sont les emplois ? Californie du Sud et New York.
Ces hubs ne sont pas seulement pratiques ; ils sont essentiels à la nature collaborative de la musique de film. Vous devez être dans la pièce lorsque l’image change. Vous devez être disponible pour les séances de notation de dernière minute. Vous devez faire partie de l’écosystème.
La réalité de l’industrie
C’est persistant. C’est dur. Cela demande du talent, de l’éducation, des contacts et beaucoup de chance.
Mais si vous y parvenez, vous réaliserez quelque chose d’unique. Vous pouvez créer les thèmes qui persistent longtemps après le générique. Vous pouvez définir ce que ressent un public pendant deux heures.
C’est le travail.
Sources et lectures complémentaires
Pour plus d’informations sur les mécanismes de cette industrie, consultez ces ressources :
- Réseau de musique de film
- Magazine de musique de film
- Berklee College of Music : carrières dans la musique de film
- Musique de film mensuelle : Foire aux questions
- IMC : biographie de Danny Elfman
- Edwin Wendler : Conseils aux compositeurs en herbe
- Variété : “Qu’est-ce qui vous a donné envie de devenir compositeur ?” (2008)
- Contenu associé : Entretien avec James Guymon
- Hitsquad Musician Network : Entretien avec Cody Westheimer
- IMDb : Prix Jerry Goldsmith
- Livre : Sur la piste de Fred Karlin et Rayburn Wright
