Conosci quella sensazione. I violini graffianti spuntano. Scena della doccia. Il coltello. Panico. O forse è un violoncello profondo e pulsante che suggerisce qualcosa di potente che si nasconde appena sotto la superficie. Jaws non aveva bisogno di mostrare lo squalo per farti sentire il terrore. Questo è il potere di un compositore cinematografico.
In film come Psycho (1960) e Lo squalo (1975), la colonna sonora non si limita ad accompagnare l’azione. Diventa la spina dorsale emotiva. Si fonde così perfettamente con il dialogo e il movimento che quasi non lo noti. Tuttavia, questi motivi rimangono. Durano oltre i titoli di coda. Riportano ricordi di missioni epiche in Star Wars, il fascino stravagante di Harry Potter o la posta in gioco pesante di Il Signore degli Anelli.
Danny Elfman, Howard Shore e John Williams sono gli artefici di questi sentimenti. Ma dietro questa magia senza soluzione di continuità si nasconde la fatica. Non è solo ispirazione. È logistica.
La realtà dietro il punteggio
Realizzare una colonna sonora è un incubo logistico mascherato da arte. Il compositore inizia una conversazione con il regista. Devono essere d’accordo sul concetto sonoro. Poi arriva la scrittura. La musica dovrebbe corrispondere al tono di determinate scene. E deve essere della giusta lunghezza. Nemmeno un secondo di troppo. Nemmeno un secondo di troppo.
Una volta che le note sono sulla pagina, inizia il vero lavoro. I musicisti devono essere assunti. I monolocali devono essere prenotati. Le sessioni devono essere registrate. E nonostante tutto ciò, la scadenza è sempre più vicina. Sempre.
Cosa fa realmente un compositore cinematografico?
Allora come ci si sente ad assumersi una tale responsabilità? Come ci arrivi? E se chiedessi ai professionisti, cosa direbbero essere un buon risultato?
La rivista Variety ha recentemente chiesto a 12 importanti compositori di nominare le loro colonne sonore preferite. Le loro scelte rivelano molto su ciò che risuona nel settore.
Ecco cosa hanno scelto i professionisti:
- “C’era una volta il West” di Ennio Morricone
- “ET”, “Star Wars” e “Jurassic Park” John Williams
- “Psico” di Bernard Herrmann
- “Poltergeist” e “Il Presagio” di Jerry Goldsmith
- “Il Signore degli Anelli” di Howard Shore
Questi non sono solo brani popolari. Sono casi di studio su come la musica dirige l’attenzione e manipola le emozioni. Ma per capire perché questi punteggi funzionano, devi guardare i meccanismi del lavoro.
Realizzare la colonna sonora di un film non è un compito valido per tutti. Il lavoro varia molto a seconda del progetto. Un giorno scrivi una sottolineatura orchestrale travolgente e drammatica; Il momento successivo stai lavorando con un piccolo ensemble e una tavolozza tonale completamente diversa. Il lavoro di un compositore cinematografico è fondamentalmente quello di creare la musica che guida il film. Ma i meccanismi dietro questa magia sono sorprendentemente burocratici e collaborativi.
La sessione di spotting e il punteggio
Il processo solitamente inizia dopo le riprese del film e in sala di montaggio. Il compositore incontra il regista e i produttori per capire cosa dovrebbe fare la musica. Ciò porta a una sessione di avvistamento.
Qui il compositore, il regista e le persone chiave si siedono insieme e guardano il film dall’inizio alla fine. Ti fermi in certi momenti per decidere:
- Dove inizia la musica?
- Dove si ferma?
- Perché è lì?
- Come dovrebbe suonare?
Una volta prese queste decisioni, inizia la scrittura vera e propria. Una partitura è una raccolta di tutte queste parti musicali. La colonna sonora di un lungometraggio di solito dura circa la metà del film stesso, quindi se stai scrivendo una colonna sonora per un film di 100 minuti, dovrai scrivere, arrangiare e produrre circa 50 minuti di musica originale.
Prima di trasmettere la musica, il compositore prepara la musica per i musicisti. Nei progetti in studio di grandi dimensioni, ciò può significare fornire appunti e schizzi approssimativi ad arrangiatori e copisti per completare le parti dei musicisti.
Chi altro c’è nella stanza?
Nei film più piccoli o indipendenti, il compositore ha più ruoli. Potresti assumere tu stesso i musicisti. Potresti guidarli. Potresti anche saltare nell’area di editing per aiutare a mescolare lo spartito finale.
Nelle produzioni più grandi, tuttavia, il carico di lavoro è distribuito tra un team specializzato. Ecco con chi altro lavorerai:
Redattore musicale
Mescolano e sincronizzano la musica con l’immagine. Spesso supervisionano l’intero processo di colonna sonora, assicurandosi che l’audio corrisponda perfettamente ai segnali visivi.
L’orchestratore
Quando il compositore scrive un semplice schizzo per pianoforte, l’orchestra lo traduce in parti complete per orchestra, banda, coro o solisti. Puoi anche trasporre la musica su diversi strumenti e dirigerla durante le sessioni di registrazione.
Appaltatore
Questa persona assume musicisti e gestisce le pratiche burocratiche, compresi i contratti sindacali attraverso la Federazione americana dei musicisti. Non vuoi essere tu a chiamare i giocatori locali per negoziare le tariffe.
L’arrangiatore del film
Se il compositore non ha ancora realizzato una partitura completa per i musicisti, interviene l’arrangiatore. Segue le istruzioni del compositore e crea lo spartito finale.
Conduttore cinematografico
Provano i musicisti e conducono la sessione. Durante la registrazione, prendono istruzioni dal compositore e dal produttore e guidano i musicisti ad apportare modifiche al volo.
Assistente del compositore
Un lavoro entry-level per qualcuno che ha a cuore i dettagli essenziali. Ciò dà al compositore la libertà di concentrarsi interamente sul lato creativo.
Progettista audio
Creano musica sintetizzata ed effetti sonori che si affiancano alla partitura dal vivo. È un mix di texture organica e digitale.
La realtà del lavoro
Il lavoro riguarda tanto la logistica quanto la melodia. Bisogna fare i conti con le regole sindacali, la sincronizzazione tecnica e il gusto soggettivo dei registi che magari non parlano la lingua della musica.
È un ambiente ad alta pressione. Una battuta sbagliata e l’arco emotivo della scena crolla. Prossimo? Una standing ovation a un festival perché il trattino basso ha fatto piangere il pubblico per tre minuti consecutivi.
Quale ruolo pensi sia il più trascurato nel processo di colonna sonora di un film? Conduttore? Assistente? O forse un appaltatore che garantisce che tutti vengano pagati?
La svolta indipendente
Quando il sistema degli studi era il re indiscusso di Hollywood, essere un realizzatore di film era essenzialmente un lavoro aziendale. Eri un dipendente. Aspettatevi di passare dal grande romanticismo orchestrale al grintoso jazz noir. E creare una colonna sonora può richiedere mesi, e spesso non entri in un film finché non hai davanti a te il primo montaggio montato.
Quei giorni sono passati.
La maggior parte dei compositori cinematografici oggi lavorano come liberi professionisti. La tempistica è stata ridotta. Creare e registrare un’ora di musica può richiedere sei settimane anziché mesi. La tecnologia digitale e le tracce temporanee hanno trasformato le riprese, il montaggio e la composizione in una caotica sovrapposizione.
Naturalmente, la tecnologia ha reso più semplice scrivere canzoni. Non è più necessario copiare manualmente ogni parte strumentale da una partitura di grandi dimensioni. Ma come in altri settori, gli strumenti volti a risparmiare manodopera aumentano la pressione sulla velocità.
Per sopravvivere, devi diventare un pragmatico creativo. Hai bisogno di un solido talento musicale, ma devi anche essere esperto nelle tecniche di mixaggio audio. Prendiamo ad esempio Cody Westheimer. Il suo studio si trova in una guesthouse di Los Angeles e la sua installazione si basa su:
- Esecutore digitale per Macintosh G5
- 3 computer con Gigastudio
- alcuni sintetizzatori
-Preamplificatori Millenia - Microfoni Audio Technica
- Mixer digitale Panasonic
Il mestiere di essere indipendenti
作曲家の数は音楽の仕事の数よりもはるかに多いのです. つまり、一人で外出するときは、ただメモを書くだけではありません。 あなたはビジネスを経営しています.
ロバート・トテラスは独立した作曲家で、時間の半分を 音楽制作に費やし、残りの半分を仕事に費やしています. 彼にとってのライフラインはインターネットと、新旧の連絡先を厳選したリストです.
この業界のはしごを登るには、時間、つながり、柔軟性が必要です。 長編映画のスコアリングを始めるわけではありません. ウェストハイマーは南カリフォルニア大学の学生映画でキャリアをスタートしました. 彼は現在、ビデオゲーム、教育番組、コマーシャル、短編 映画、予告編、ドキュメンタリーの音楽を担当しています.
Comporre film sembra la tua carriera? Se è così, devi sapere da dove cominciare.
Diventare un compositore cinematografico
Nessun percorso unico per raggiungere la cattedra di direttore d’orchestra
Non hai bisogno di una tabella di marcia specifica per diventare un compositore di film. Il mito del percorso di carriera lineare è proprio questo: un mito. Come rivelato dalle risposte di dodici compositori cinematografici a Variety, la maggior parte non ha aspettato fino al college per rendersi conto di voler scrivere musica per i film. Sono stati ispirati dallo schermo molto prima della fine del liceo. Il filo conduttore? Un amore profondo per il cinema e gli strumenti per tradurlo in suono.
Ma il viaggio in sé? Ciò varia notevolmente.
Prendi John Williams. Cinque volte vincitore dell’Oscar. L’uomo dietro Star Wars, Indiana Jones e Harry Potter. Non si è imbattuto nel cinema per caso. Ha studiato pianoforte alla Juilliard, poi ha trascorso anni suonando nei club di New York come pianista jazz. Il suo ingresso nel cinema è avvenuto attraverso il tutoraggio, lavorando al fianco di leggende come Bernard Herrmann.
Poi c’è Howard Shore. Laureato al Berklee College of Music. Bassista jazz del gruppo Lighthouse. Direttore musicale per Saturday Night Live. La sua carriera cinematografica non è iniziata con un blockbuster. Tutto è iniziato con una collaborazione con il regista David Cronenberg che è durata dodici film. Ha vinto l’Oscar per Il Signore degli Anelli, ma le fondamenta erano costruite su collaborazioni artistiche, non solo sull’abilità tecnica.
Danny Elfman offre un terzo percorso. Autodidatta. Leader del gruppo rock Oingo Boingo. Per anni ha scritto le colonne sonore dei film di Tim Burton, oltre a Batman Returns, Spider-Man e Men in Black. Nessun conservatorio. Solo talento, una band e una voce distinta che i registi non potevano ignorare.
Se sei seriamente intenzionato a seguire le loro orme, ecco cosa conta davvero nel settore in questo momento.
Dove imparare la colonna sonora
Hai bisogno di credenziali, ma non di credenziali qualsiasi. Una laurea in musica o in un campo correlato dell’intrattenimento è il biglietto d’ingresso standard. Ma la scuola conta.
Cerca programmi con forti legami cinematografici. La University of Southern California (USC) e la New York University (NYU) sono scelte di alto livello perché integrano la colonna sonora in un curriculum cinematografico più ampio. Il Berklee College of Music è un’altra centrale elettrica, in particolare per la sua specializzazione in colonne sonore cinematografiche.
Perché è importante? Non si tratta solo di apprendere la teoria. Riguarda l’accesso. Impari gli aspetti tecnici della composizione per immagini. Ancora più importante, incontri i direttori degli studenti. Questi sono i tuoi primi collaboratori. Diventeranno i tuoi primi clienti. Diventano la tua rete.
Costruire un portafoglio che venga ascoltato
Probabilmente non inizierai con i lungometraggi. È raro. Inizi in piccolo. Pubblicità. Film studenteschi. Rimorchi. Progetti indipendenti.
Qui è dove costruisci la tua gamma. Diversi tipi di film e vari stili musicali creano un portfolio più ampio. I registi vogliono vedere che puoi adattarti. Un dramma ha bisogno di una cosa. Una commedia ne ha bisogno di un’altra. Un trailer horror ha bisogno di qualcos’altro.
Il tuo portfolio è il tuo curriculum. Ma è anche la tua demo reel. Registi e produttori sono impegnati. Non ascolteranno più di 20 minuti di lavoro campione. Crea CD demo a tema o pacchetti digitali. Invia il pacchetto horror a un regista horror. Invia il pacchetto comico a un produttore comico.
Ma ricorda questa dura verità: sono più interessati ai tuoi crediti cinematografici che alla tua musica. Se hai un nome su un poster, anche piccolo, questo apre porte che la musica da sola potrebbe non aprire.
Il networking non è negoziabile
Crea connessioni. Sul serio. Devi entrare in contatto con registi e attori chiave del settore che possono offrire lavoro o, almeno, conoscere qualcuno che può farlo.
I rapporti regista-compositore sono spesso a lungo termine. Molti registi restano fedeli allo stesso compositore per tutta la loro carriera. Sii quel compositore. Costruisci relazioni in anticipo. Partecipa alle proiezioni. Vai ai miscelatori industriali. Sii la persona che i registi vogliono chiamare quando hanno una scena che non funziona.
Posizione, posizione, posizione
Internet rende possibile il lavoro a distanza. Ma la maggior parte dei compositori cinematografici deve ancora trovarsi nella stessa città dei registi e dei montatori con cui lavora.
Dove sono i posti di lavoro? California meridionale e New York.
Questi hub non sono solo convenienti; sono essenziali per la natura collaborativa della colonna sonora del film. Devi essere nella stanza quando l’immagine cambia. Devi essere disponibile per le sessioni di punteggio dell’ultimo minuto. Devi essere parte dell’ecosistema.
La realtà del settore
È persistente. È dura. Richiede talento, istruzione, contatti e una notevole quantità di fortuna.
Ma se riesci a farcela, puoi fare qualcosa di unico. Puoi creare temi che persistono a lungo dopo la fine dei titoli di coda. Puoi definire come si sente il pubblico per due ore.
Questo è il lavoro.
Fonti e ulteriori letture
Per ulteriori approfondimenti sui meccanismi di questo settore, consulta queste risorse:
- Rete di musica da film
- Rivista di musica cinematografica
- Berklee College of Music : Carriere nella colonna sonora
- Mensile della colonna sonora del film : domande frequenti
- IMC : Biografia di Danny Elfman
- Edwin Wendler : Consigli per aspiranti compositori
- Varietà : “Cosa ti ha spinto a diventare un compositore?” (2008)
- Contenuti associati : Intervista con James Guymon
- Hitsquad Musician Network : Intervista con Cody Westheimer
- IMDb : Premi Jerry Goldsmith
- Libro : On the Track di Fred Karlin e Rayburn Wright
