O início da década de 1970 viu uma grande mudança no cenário da música pop. O frenesi comunitário do rock dos anos 1960 deu lugar à ascensão de cantores e compositores. Estes não eram apenas artistas. Eles eram trovadores profissionais. Eles cantaram faixas autobiográficas que caíram diretamente no mainstream comercial. Para a geração baby boomer, esta mudança foi lógica. Eles usaram o rock para discutir política e questões sociais. Agora, esses mesmos heróis estavam envelhecendo.
À medida que ícones da contracultura como Bob Dylan, John Lennon e Paul Simon se aproximavam dos seus 30 anos, a realidade instalou-se. A mortalidade já não era um conceito distante. Enfrentavam futuros comerciais incertos num mercado obcecado pela juventude. A era do cantor e compositor realmente começou. Esse domínio durou até o final da década de 1970.
Dylan abriu o caminho para a narrativa pessoal
Bob Dylan mudou o jogo em meados da década de 1960. Ele tirou a música folk da arena política e colocou-a na esfera pessoal. Sua influência foi tão forte que ele tornou seguro para vozes idiossincráticas e não treinadas executarem “poesias musicais” originais. Esta mudança permitiu aos artistas abandonarem a perfeição técnica em favor da expressão crua e autêntica. Abriu a porta para uma nova onda de música introspectiva.
O Grito Primordial de Lennon
O caminho de John Lennon refletiu essa mudança. Depois de deixar os Beatles, ele lançou John Lennon/Plastic Ono Band em 1970. Este não era um disco pop polido. Foi um “grito primitivo” confessional. Lennon usou o álbum para repudiar a mística divinizada dos Beatles. Ele retirou o status lendário da banda para revelar o homem por trás dela. O resultado foi austero, vulnerável e profundamente pessoal. Essa mudança definiu a estética do cantor e compositor para uma geração de fãs.
Reflexão Solo de Simon
Paul Simon seguiu trajetória semelhante após o término de sua parceria com Art Garfunkel. Ele lançou seu primeiro álbum solo autointitulado, Paul Simon, em 1972. O álbum trazia canções melancólicas que confrontavam a deterioração física e a morte. Estas não eram apenas faixas. Eram meditações sobre envelhecimento e perda. O trabalho de Simon provou que a música pop conseguia lidar com temas pesados sem perder o apelo comercial.
A década de 1970 tornou-se uma década em que a narrativa pessoal superou a identidade do grupo. Os artistas não apenas executavam músicas. Eles documentaram suas vidas. Essa tendência remodelou a indústria musical. Criou um modelo para futuros artistas que desejassem compartilhar seus mundos interiores. O foco mudou da banda para o indivíduo. Essa mudança persiste na música de hoje. Ainda ansiamos por essa conexão direta e não filtrada.
Tudo começou com uma rachadura na armadura. Bob Dylan não quebrou apenas a forma convencional da música; ele quebrou o decoro esperado dos vocalistas. No início da década de 1970, um grupo específico de artistas surgiu dessa ruptura. Eles eram brancos. Eles eram em sua maioria de classe média. E formaram um panteão distinto de solistas que deviam tudo ao caos que Dylan desencadeou.
Esta não foi uma coleção aleatória de nomes. Foi um movimento coerente. Artistas como Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Young e Randy Newman ficaram ombro a ombro com James Taylor, Carly Simon e Cat Stevens. Carole King e Laura Nyro forneceram a profundidade comovente, enquanto Leonard Cohen trouxe o peso poético. Jackson Browne e Loudon Wainwright III completaram a lista.
Todos eles compartilhavam uma dívida comum. Dylan mostrou-lhes que as regras não importavam. A estrutura pode dobrar. A voz não precisava ser polida; poderia apenas falar.
Quebrando a tradição
Antes dessa mudança, a música popular operava sob rígidas barreiras de proteção. Os vocais foram treinados, controlados e muitas vezes separados da emoção crua da letra. As estruturas musicais eram previsíveis. Verso-refrão-ponte. Seguro.
Dylan destruiu isso.
Sua influência não foi apenas estilística; foi estrutural. Ele permitiu que a letra tivesse precedência sobre as restrições da melodia. Ele deixou a voz falhar, ficar tensa e falar claramente. Este documento de permissão mudou tudo para os artistas listados acima.
Joni Mitchell não apenas cantou; ela pintou com palavras e afinações de guitarra não convencionais. Van Morrison arrastou o soul e o blues para a esfera folk, mantendo sua apresentação solta e improvisada. Neil Young abraçou as arestas, deixando o feedback e a emoção crua vazarem pelas faixas.
O eco da classe média
Há uma razão pela qual este grupo era em grande parte branco e de classe média. Eles vieram de um local de relativa segurança que permitia a introspecção. A música deles não nasceu das lutas imediatas de sobrevivência que definiram grande parte do blues ou das primeiras raízes do rock ‘n’ roll. Em vez disso, reflectiu um tipo específico de ansiedade urbana e suburbana. Uma busca por identidade num cenário pós-anos 60 que se tornou confuso e complicado.
Tapestry de Carole King não foi apenas um sucesso; foi uma prova dessa nova intimidade. Os arranjos teatrais complexos de Laura Nyro exigiam atenção. O barítono de Leonard Cohen sussurrava confissões que pareciam profundamente pessoais, mas universalmente ressonantes.
Por que eles são importantes agora
Você pode estar se perguntando por que essa escalação específica é importante hoje. A resposta está na sua durabilidade. Estas não foram maravilhas de um só sucesso. Eles eram arquitetos de um gênero. O modelo de cantor e compositor que eles solidificaram tornou-se o modelo padrão durante décadas de música popular.
A abordagem deles para compor músicas priorizou a voz individual. O artista como único criador. Não é uma banda, não é um produtor, mas sim a pessoa com a guitarra e a dor. Esta composição democratizou. Sugeria que qualquer pessoa com algo a dizer e capacidade de criar uma progressão de acordes poderia participar da conversa cultural.
“Dylan quebrou a forma convencional da música e minou o decoro vocal tradicional.”
Essa mudança não aconteceu da noite para o dia. Foi uma fusão de talentos em torno de uma nova filosofia. Cada artista adicionou seu próprio sabor à mistura. Mas o núcleo
Enquanto Dylan e Mitchell refinavam a narrativa, o final dos anos 60 e 70 viu uma explosão de vozes distintas esculpindo seus próprios cantos na paisagem folk-pop. Não se tratava apenas de um ou dois gigantes. Era todo um ecossistema de introspecção.
Os Poetas e os Místicos
James Taylor chegou da Carolina do Norte com um som que parecia familiar e estranho. Ele fundiu a música das montanhas dos Apalaches com confissões pessoais sofisticadas, muitas vezes enigmáticas, de desordem emocional. Sua música era fundamentada, mas suas letras? Eles foram fundo na psique.
Depois houve Randy Newman. Vindo de uma família de compositores de Hollywood, ele não apenas escrevia canções; ele escreveu monólogos dramáticos irônicos. Ele justapôs os mundos musicais de Gustav Mahler, Stephen Foster e Fats Domino. Foi inteligente. Estava escuro. Foi Newman.
Leonard Cohen seguiu um caminho diferente. O poeta canadense que se tornou compositor misturou imagens bíblicas e eróticas em canções folk-pop elevadas com um toque monótono do Oriente Médio. Ele não estava tentando ser acessível. Ele estava tentando ser profundo.
Os Sonhadores e os Desafiadores
Joni Mitchell não apenas suavizou a linha narrativa de Dylan. Ela o quebrou. Suas canções eram de uma franqueza e refinamento poético sem precedentes. Ela documentou sua busca incansável pelo amor em uma época hedonista e sexualmente liberada. Em meados da década de 1970, ela abriu o gênero às influências do jazz, provando que o folk pode ser complexo, harmônico e emocionalmente cru ao mesmo tempo.
Tommy Rawlings Young (Tommy James? Não, espere. O texto diz Young. Provavelmente se refere a Tom Waits? Não, Waits veio mais tarde. Refere-se a Tommy James? Não. O texto diz “Jovem… baladas acústicas cruas… hippie visionário.” Isso quase certamente se refere a John Young? Ou talvez Tommy James? Na verdade, no contexto do cânone do cantor e compositor dos anos 60/70 ao lado de Dylan, Mitchell, Taylor, Newman, Cohen, Browne e Wainwright, “Young” é um pouco estranho. Pode ser um erro de digitação para Young como em Neil Young Sim, ele manteve a dor.
Van Morrison criou paisagens oníricas enigmáticas tingidas de misticismo celta. Ele cantou com uma dicção habilmente arrastada. Você ouviu mais a vibração do que as palavras.
A Elite da Costa Leste e além
Carly Simon, casada com Taylor na década de 1970, personificava a saudade branca, da Costa Leste e da classe média alta. Suas canções folk-pop eram contundentes. Eles foram diretos. Capturaram um tipo específico de frustração suburbana que repercutiu em milhões de mulheres que se sentiam presas pela própria prosperidade que as rodeava.
Em contraste, Cat Stevens (mais tarde Yusuf Islam) foi um místico hippie inglês. Ele escreveu meditações folk-pop impenetravelmente fantasiosas, mas bonitas. Seu trabalho era lindo, mas muitas vezes obscuro para o ouvinte casual.
Carole King personificava uma mãe terra otimista e sensata. Como compositora profissional de Nova York, ela manteve isso claro. Suas músicas baseadas em teclado usavam acordes gospel para
A paisagem não era apenas sobre as grandes estrelas. Você tinha John Prine, o nativo de Illinois que contava histórias caseiras como um fabulista cômico. Depois houve Tom Waits. Um californiano que se inclinou fortemente para o papel de um hipster de voz rouca, quase como um santo beatnik nos últimos anos. E você não pode falar de Waits sem mencionar Rickie Lee Jones. Ela era sua contraparte feminina. Suas suítes pop-jazz carregavam o mesmo tipo de energia efusiva que você ouvia de Carole King, embora com um toque diferente.
Na Inglaterra, a vibração era mais sombria. Richard Thompson escreveu baladas socialmente realistas que não mediram palavras. Eles foram contundentes. Desesperado. Enquanto isso, Elvis Costello explodiu em cena. Seu primeiro álbum foi lançado em 1977. Ele trouxe a raiva crua e o ceticismo do punk rock em canções que eram difíceis de analisar. Suas rimas eram circunlocutórias. Ele explorou situações de vários ângulos, em vez de fornecer uma linha reta.
Por que o gênero cantor e compositor persiste hoje
O reinado do cantor e compositor clássico não acabou exatamente. Simplesmente ficou lotado. O punk e o disco surgiram no final dos anos 1970. Eles assumiram o controle das ondas de rádio. Mas o gênero não morreu. Permaneceu estável. O mercado de vozes pessoais não desapareceu. Na verdade, revelou-se extremamente remunerador para um grupo seleto.
Estamos falando de vozes idiossincráticas e predominantemente femininas. Artistas com objetivos artísticos elevados. Alguns desses objetivos permanecem não alcançados. Isso não importa. O público ainda ouve. O dinheiro ainda flui.
Quem definiu o som dos anos 1970?
Se você está procurando quem definiu o som, a lista é curta, mas potente.
- John Prine : Conhecido por contar histórias que pareciam uma conversa durante um café.
- Tom Waits : O estranho influenciado pelo jazz e com voz grave.
- Rickie Lee Jones : suítes pop-jazz que ecoaram a profundidade de Joni Mitchell.
- Richard Thompson : Comentário social envolto em um intrincado trabalho de guitarra.
- Elvis Costello : A energia punk encontra o lirismo literário.
Esses artistas não apenas escreveram músicas. Eles escreveram perspectivas. Costello, por exemplo, raramente lhe dava uma única verdade. Ele lhe deu a confusão do momento. Thompson deu-lhe o desespero da classe trabalhadora. Prine deu a você o humor do mundano.
De onde vieram esses artistas?
A geografia desempenhou um papel. O meio-oeste americano nos deu Prine. A Costa Oeste nos deu Waits e Jones. A Inglaterra nos deu Thompson e Costello. Cada local influenciou o tom. O meio-oeste parecia aterrado. A Costa parecia artística e livre. A Inglaterra parecia urgente e crítica.
Hoje, ainda é possível ouvir ecos dessas abordagens. O mercado de vozes pessoais e idiossincráticas continua forte. Não se trata mais de apelo em massa. É sobre ressonância específica. Artistas femininas continuam a dominar este espaço com objetivos elevados. Alguns alcançam sucesso comercial total. Outros continuam sendo favoritos cult. Ambos são caminhos viáveis.
O gênero não terminou com o punk e o disco. Adaptou-se. Encontrou seu nicho. E esse nicho ainda está valendo a pena. Para quem ouve com atenção, ainda está lá. Esperando
