A principios de la década de 1970 se produjo un cambio masivo en el panorama de la música pop. El frenesí comunitario del rock de los años 60 dio paso al surgimiento de los cantautores. Estos no eran sólo artistas. Eran trovadores profesionales. Cantaron temas autobiográficos que aterrizaron de lleno en la corriente comercial. Para la generación del baby boom, este cambio era lógico. Habían utilizado la música rock para discutir sobre política y cuestiones sociales. Ahora, esos mismos héroes estaban envejeciendo.
A medida que íconos contraculturales como Bob Dylan, John Lennon y Paul Simon se acercaban a su cumpleaños número 30, la realidad se impuso. La mortalidad ya no era un concepto lejano. Se enfrentaban a un futuro comercial incierto en un mercado obsesionado con la juventud. La era del cantautor realmente había comenzado. Este dominio duró hasta finales de los años 1970.
Dylan allanó el camino para la narración personal
Bob Dylan había cambiado las reglas del juego a mediados de los años sesenta. Sacó la música folclórica del ámbito político y la llevó al ámbito personal. Su influencia fue tan fuerte que hizo que fuera seguro para voces idiosincrásicas y no entrenadas interpretar “canciones poéticas” originales. Este cambio permitió a los artistas abandonar la perfección técnica en favor de una expresión cruda y auténtica. Abrió la puerta a una nueva ola de música introspectiva.
El grito primordial de Lennon
El camino de John Lennon reflejó este cambio. Después de dejar los Beatles, lanzó John Lennon/Plastic Ono Band en 1970. Este no era un disco pop pulido. Fue un “grito primario” confesional. Lennon utilizó el álbum para repudiar la mística divinizada de los Beatles. Quitó el estatus legendario de la banda para revelar al hombre que había debajo. El resultado fue crudo, vulnerable y profundamente personal. Este movimiento definió la estética del cantautor para una generación de fanáticos.
Reflexión en solitario de Simon
Paul Simon siguió una trayectoria similar después de que terminó su asociación con Art Garfunkel. Lanzó su debut solista homónimo, Paul Simon, en 1972. El álbum incluía canciones melancólicas que confrontaban el deterioro físico y la muerte. Estas no eran sólo pistas. Eran meditaciones sobre el envejecimiento y la pérdida. El trabajo de Simon demostró que la música pop podía manejar temas pesados sin perder su atractivo comercial.
La década de 1970 se convirtió en una década en la que la narrativa personal prevaleció sobre la identidad grupal. Los artistas no se limitaron a interpretar canciones. Documentaron sus vidas. Esta tendencia reformuló la industria de la música. Creó una plantilla para futuros artistas que querían compartir sus mundos interiores. El foco de atención pasó de la banda al individuo. Este cambio persiste en la música actual. Todavía anhelamos esa conexión directa y sin filtros.
Todo empezó con una grieta en la armadura. Bob Dylan no sólo rompió la forma convencional de la canción; rompió el decoro que se espera de los vocalistas. A principios de la década de 1970, un grupo específico de artistas había surgido de esa disrupción. Eran blancos. Eran en su mayoría de clase media. Y formaron un panteón distinto de solistas que le debían todo al caos desatado por Dylan.
Esta no fue una colección aleatoria de nombres. Fue un movimiento coherente. Artistas como Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Young y Randy Newman estuvieron hombro con hombro con James Taylor, Carly Simon y Cat Stevens. Carole King y Laura Nyro aportaron la profundidad conmovedora, mientras que Leonard Cohen aportó el peso poético. Jackson Browne y Loudon Wainwright III completaron la lista.
Todos compartían una deuda común. Dylan les había demostrado que las reglas no importaban. La estructura podría doblarse. La voz no necesitaba pulir; podría simplemente hablar.
Rompiendo la tradición
Antes de este cambio, la música popular operaba bajo estrictas barreras de seguridad. Las voces estaban entrenadas, controladas y, a menudo, separadas de la cruda emoción de la letra. Las estructuras de las canciones eran predecibles. Estrofa-coro-puente. Seguro.
Dylan derribó eso.
Su influencia no fue sólo estilística; fue estructural. Permitió que la letra tuviera prioridad sobre las limitaciones de la melodía. Dejó que la voz se quebrara, se tensara y hablara claramente. Este permiso cambió todo para los artistas mencionados anteriormente.
Joni Mitchell no sólo cantó; pintó con palabras y afinaciones de guitarra poco convencionales. Van Morrison arrastró el soul y el blues a la esfera folk, manteniendo su interpretación suelta e improvisada. Neil Young abrazó las asperezas, dejando que la retroalimentación y la emoción pura fluyeran a través de las pistas.
El eco de la clase media
Hay una razón por la que este grupo era mayoritariamente blanco y de clase media. Venían de un lugar de relativa seguridad que permitía la introspección. Su música no nació de las luchas inmediatas por la supervivencia que definieron gran parte del blues o las primeras raíces del rock ‘n’ roll. Más bien, reflejó un tipo específico de ansiedad urbana y suburbana. Una búsqueda de identidad en un panorama posterior a los años 60 que se había vuelto caótico y complicado.
Tapestry de Carole King no fue sólo un éxito; fue un testimonio de esta nueva intimidad. Los complejos arreglos teatrales de Laura Nyro exigían atención. El barítono de Leonard Cohen susurró confesiones que parecían profundamente personales, pero universalmente resonantes.
Por qué son importantes ahora
Quizás se pregunte por qué esta alineación específica es importante hoy en día. La respuesta está en su durabilidad. Estas no fueron maravillas de un solo éxito. Fueron arquitectos de un género. El modelo de cantautor que solidificaron se convirtió en el modelo predeterminado durante décadas de música popular.
Su enfoque a la hora de escribir canciones priorizó la voz individual. El artista como único creador. No una banda, ni un productor, sino la persona con la guitarra y el dolor. Esta composición democratizada. Sugirió que cualquiera que tuviera algo que decir y la capacidad de elaborar una progresión de acordes pudiera participar en la conversación cultural.
“Dylan había roto la forma convencional de la canción y socavado el decoro vocal tradicional”.
Este cambio no ocurrió de la noche a la mañana. Fue una fusión de talentos en torno a una nueva filosofía. Cada artista añadió su propio sabor a la mezcla. Pero el núcleo
Mientras Dylan y Mitchell refinaban la narrativa, a finales de los 60 y 70 se produjo una explosión de voces distintas que forjaron sus propios rincones del panorama folk-pop. No se trataba sólo de uno o dos gigantes. Era todo un ecosistema de introspección.
Los poetas y los místicos
James Taylor llegó de Carolina del Norte con un sonido que le resultó familiar y extraño al mismo tiempo. Fusionó la música de las montañas de los Apalaches con confesiones personales sofisticadas, a menudo crípticas, de desorden emocional. Su música estaba fundamentada pero ¿sus letras? Se adentraron profundamente en la psique.
Luego estaba Randy Newman. Proveniente de una familia de compositores de Hollywood, no se limitó a escribir canciones; Escribió monólogos dramáticos irónicos. Yuxtapuso los mundos musicales de Gustav Mahler, Stephen Foster y Fats Domino. Fue inteligente. Estaba oscuro. Era Newman.
Leonard Cohen tomó un camino diferente. El poeta canadiense convertido en compositor mezcló imágenes bíblicas y eróticas en canciones folk-pop elevadas con un monótono sabor de Medio Oriente. No estaba tratando de ser accesible. Estaba tratando de ser profundo.
Los soñadores y los desafiantes
Joni Mitchell no se limitó a suavizar la línea narrativa de Dylan. Ella lo hizo añicos. Sus canciones eran de una franqueza y un refinamiento poético sin precedentes. Documentó su inquieta búsqueda del amor en una época hedonista y sexualmente liberada. A mediados de la década de 1970, abrió el género a las influencias del jazz, demostrando que el folk podía ser complejo, armónico y emocionalmente crudo al mismo tiempo.
Tommy Rawlings Young (¿Tommy James? No, espera. El texto dice Young. ¿Probablemente se refiere a Tom Waits? No, Waits vino después. ¿Se refiere a Tommy James? No. El texto dice “Joven… baladas acústicas crudas… visionario hippie”. Cohen, Browne y Wainwright, “Young” es un poco atípico. Podría ser un error tipográfico para Young como en Neil Young? Sí. Neil Young personificó al visionario hippie que se sacudió dolorosamente su idealismo soñador en sus crudas baladas acústicas.
Van Morrison creó paisajes oníricos crípticos teñidos de misticismo celta. Cantó con una dicción ingeniosamente arrastrada. Escuchaste la vibra más que las palabras.
La élite de la costa este y más allá
Carly Simon, casada con Taylor en la década de 1970, personificaba el anhelo blanco de la clase media alta de la Costa Este. Sus canciones folk-pop eran contundentes. Fueron directos. Captaron un tipo específico de frustración suburbana que resonó en millones de mujeres que se sentían atrapadas por la prosperidad que las rodeaba.
Por el contrario, Cat Stevens (más tarde Yusuf Islam) era un místico hippie inglés. Escribió meditaciones folk-pop impenetrablemente fantasiosas pero bonitas. Su trabajo era hermoso pero a menudo oscuro para el oyente casual.
Carole King encarnaba a una madre tierra optimista y con sentido común. Como compositora profesional de Nueva York, lo mantuvo claro. Sus canciones basadas en teclados usaban acordes gospel para
El paisaje no se trataba sólo de las grandes estrellas. Estaba John Prine, el nativo de Illinois que contaba cuentos caseros como un fabulista cómico. Luego estaba Tom Waits. Un californiano que se inclinó con fuerza hacia el papel de un hipster de voz ronca, casi como un santo beatnik en años posteriores. Y no se puede hablar de Waits sin mencionar a Rickie Lee Jones. Ella era su contraparte femenina. Sus suites de pop-jazz transmitían el mismo tipo de energía efusiva que escuchabas de Carole King, aunque con un toque diferente.
En Inglaterra, el ambiente era más oscuro. Richard Thompson escribió baladas de realismo social que no se andaban con rodeos. Fueron mordaces. Desesperado. Mientras tanto, Elvis Costello irrumpió en escena. Su primer álbum salió a la venta en 1977. Trajo la cruda ira y el escepticismo del punk rock a canciones que eran difíciles de analizar. Sus rimas eran circunlocutorias. Exploró situaciones desde múltiples ángulos en lugar de darte una línea recta.
Por qué el género de cantautores persiste en la actualidad
El reinado del cantautor clásico no terminó exactamente. Simplemente quedó desbordado. El punk y la música disco surgieron a finales de los años 1970. Se apoderaron de las ondas. Pero el género no murió. Se mantuvo estable. El mercado de voces personales no desapareció. De hecho, resultó extremadamente remunerativo para unos pocos elegidos.
Estamos hablando de voces idiosincrásicas y abrumadoramente femeninas. Artistas con elevadas metas artísticas. Algunos de esos objetivos siguen sin alcanzarse. Eso no importa. El público todavía escucha. El dinero sigue fluyendo.
¿Quién definió el sonido de los años 70?
Si buscas quién definió el sonido, la lista es corta pero potente.
- John Prine : Conocido por contar historias que parecían una conversación tomando un café.
- Tom Waits : El caso atípico con voz grave y influencia del jazz.
- Rickie Lee Jones : Suites de pop-jazz que hacían eco de la profundidad de Joni Mitchell.
- Richard Thompson : comentario social envuelto en un intrincado trabajo de guitarra.
- Elvis Costello : La energía punk se encuentra con el lirismo literario.
Estos artistas no se limitaron a escribir canciones. Escribieron perspectivas. Costello, por ejemplo, rara vez te decía una sola verdad. Él te dio la confusión del momento. Thompson nos transmitió la desesperación de la clase trabajadora. Prine te dio el humor en lo mundano.
¿De dónde vinieron estos artistas?
La geografía jugó un papel. El Medio Oeste estadounidense nos dio Prine. La costa oeste nos dio a Waits y Jones. Inglaterra nos dio a Thompson y Costello. Cada ubicación influyó en el tono. El Medio Oeste se sintió castigado. La Costa se sentía artística y libre. Inglaterra se sintió urgente y crítica.
Hoy en día todavía se pueden escuchar ecos de estos enfoques. El mercado de voces personales e idiosincrásicas sigue siendo fuerte. Ya no se trata de un atractivo masivo. Se trata de resonancia específica. Las artistas femeninas continúan dominando este espacio con objetivos elevados. Algunos logran un éxito comercial total. Otros siguen siendo favoritos de culto. Ambos son caminos viables.
El género no terminó con el punk y la música disco. Se adaptó. Encontró su nicho. Y ese nicho todavía está dando sus frutos. Para aquellos que escuchan con atención, todavía está ahí. Espera
