Awal tahun 1970-an terjadi perubahan besar dalam lanskap musik pop. Kegilaan komunal pada musik rock tahun 1960-an memberi jalan bagi kebangkitan penyanyi-penulis lagu. Ini bukan hanya pemain. Mereka adalah pengacau profesional. Mereka menyanyikan lagu-lagu otobiografi yang langsung menjadi arus utama komersial. Bagi generasi baby boomer, perubahan ini merupakan hal yang logis. Mereka menggunakan musik rock untuk mendiskusikan masalah politik dan sosial. Sekarang, para pahlawan itu semakin menua.
Ketika ikon-ikon tandingan budaya seperti Bob Dylan, John Lennon, dan Paul Simon mendekati ulang tahun mereka yang ke-30, kenyataan mulai terjadi. Kematian bukan lagi sebuah konsep yang jauh. Mereka menghadapi masa depan komersial yang tidak pasti di pasar yang terobsesi dengan kaum muda. Era penyanyi-penulis lagu telah benar-benar dimulai. Dominasi ini bertahan hingga akhir tahun 1970-an.
Dylan Membuka Jalan untuk Bercerita Pribadi
Bob Dylan telah mengubah permainan pada pertengahan tahun 1960an. Dia menarik musik rakyat keluar dari arena politik dan masuk ke ranah pribadi. Pengaruhnya begitu kuat sehingga ia membuat aman bagi suara-suara yang tidak terlatih dan istimewa untuk membawakan “puisi lagu” yang asli. Pergeseran ini memungkinkan seniman untuk meninggalkan kesempurnaan teknis demi ekspresi yang mentah dan autentik. Ini membuka pintu bagi gelombang baru musik introspektif.
Jeritan Primal Lennon
Jalan John Lennon mencerminkan perubahan ini. Setelah meninggalkan The Beatles, ia merilis John Lennon/Plastic Ono Band pada tahun 1970. Ini bukanlah rekaman pop yang bagus. Itu adalah “jeritan mendasar” pengakuan dosa. Lennon menggunakan album itu untuk menolak mistik yang didewakan dari The Beatles. Dia menghapus status legendaris band tersebut untuk mengungkap pria di baliknya. Hasilnya sangat mencolok, rentan, dan sangat pribadi. Langkah ini mendefinisikan estetika penyanyi-penulis lagu bagi generasi penggemar.
Refleksi Tunggal Simon
Paul Simon mengikuti lintasan serupa setelah kemitraannya dengan Art Garfunkel berakhir. Dia merilis debut solo self-titled-nya, Paul Simon, pada tahun 1972. Album ini menampilkan lagu-lagu sedih yang menghadapi kemunduran fisik dan kematian. Ini bukan hanya trek. Itu adalah meditasi tentang penuaan dan kehilangan. Karya Simon membuktikan bahwa musik pop mampu mengangkat tema-tema berat tanpa kehilangan daya tarik komersialnya.
Tahun 1970-an menjadi dekade ketika narasi pribadi melebihi identitas kelompok. Artis tidak hanya membawakan lagu. Mereka mendokumentasikan kehidupan mereka. Tren ini mengubah industri musik. Ini menciptakan template bagi seniman masa depan yang ingin berbagi dunia batin mereka. Sorotan beralih dari band ke individu. Perubahan ini berlanjut dalam musik masa kini. Kami masih mendambakan koneksi langsung dan tanpa filter.
Ini dimulai dengan retakan pada armor. Bob Dylan tidak hanya mendobrak bentuk lagu konvensional; dia menghancurkan kesopanan yang diharapkan dari vokalis. Pada awal tahun 1970-an, sekelompok seniman tertentu telah bangkit dari gangguan tersebut. Mereka berkulit putih. Mereka sebagian besar adalah kelas menengah. Dan mereka membentuk jajaran solois berbeda yang berutang segalanya pada kekacauan yang dilancarkan Dylan.
Ini bukanlah kumpulan nama yang acak. Itu adalah gerakan yang koheren. Artis seperti Joni Mitchell, Van Morrison, Neil Young, dan Randy Newman berdiri bahu-membahu dengan James Taylor, Carly Simon, dan Cat Stevens. Carole King dan Laura Nyro memberikan kedalaman jiwa, sementara Leonard Cohen memberikan bobot puitis. Jackson Browne dan Loudon Wainwright III melengkapi daftar tersebut.
Mereka semua mempunyai hutang yang sama. Dylan telah menunjukkan kepada mereka bahwa peraturan tidak penting. Strukturnya bisa bengkok. Suaranya tidak perlu dipoles; itu hanya bisa berbicara.
Menghancurkan Tradisi
Sebelum peralihan ini, musik populer beroperasi dengan batasan yang ketat. Vokal dilatih, dikendalikan, dan sering kali terlepas dari emosi mentah lirik. Struktur lagu dapat diprediksi. Jembatan ayat-paduan suara. Aman.
Dylan merobeknya.
Pengaruhnya tidak hanya bersifat gaya; itu struktural. Dia membiarkan liriknya lebih diutamakan daripada batasan melodinya. Dia membiarkan suaranya pecah, tegang, dan berbicara dengan jelas. Slip izin ini mengubah segalanya bagi artis yang tercantum di atas.
Joni Mitchell tidak hanya bernyanyi; dia melukis dengan kata-kata dan nada gitar yang tidak biasa. Van Morrison menyeret soul dan blues ke dalam ranah folk, menjaga penyampaiannya tetap longgar dan improvisasi. Neil Young menerima sisi kasarnya, membiarkan umpan balik dan emosi mengalir melalui jalurnya.
Gema Kelas Menengah
Ada alasan mengapa kelompok ini sebagian besar berkulit putih dan kelas menengah. Mereka datang dari tempat yang relatif aman yang memungkinkan terjadinya introspeksi. Musik mereka tidak lahir dari perjuangan bertahan hidup yang mendefinisikan sebagian besar akar musik blues atau rock ‘n’ roll. Sebaliknya, hal ini mencerminkan kegelisahan perkotaan dan pinggiran kota yang spesifik. Pencarian identitas di lanskap pasca tahun 60an yang semakin berantakan dan rumit.
Permadani Carole King bukan hanya sukses; itu adalah bukti keintiman baru ini. Aransemen teatrikal Laura Nyro yang rumit menuntut perhatian. Bariton Leonard Cohen membisikkan pengakuan yang terasa sangat pribadi, namun bergema secara universal.
Mengapa Itu Penting Saat Ini
Anda mungkin bertanya-tanya mengapa susunan pemain khusus ini penting saat ini. Jawabannya terletak pada daya tahannya. Ini bukanlah keajaiban yang terjadi dalam sekejap. Mereka adalah arsitek suatu genre. Model penyanyi-penulis lagu yang mereka solidkan menjadi pola standar musik populer selama beberapa dekade.
Pendekatan mereka dalam penulisan lagu mengutamakan suara individu. Artis sebagai pencipta tunggal. Bukan band, bukan produser, tapi orang yang punya gitar dan kesakitan. Penulisan lagu yang demokratis ini. Hal ini menunjukkan bahwa siapa pun yang memiliki sesuatu untuk dikatakan dan kemampuan menyusun progresi akord dapat berpartisipasi dalam percakapan budaya.
“Dylan telah menghancurkan bentuk lagu konvensional dan merusak kesopanan vokal tradisional.”
Pergeseran ini tidak terjadi dalam semalam. Itu adalah penggabungan bakat-bakat di sekitar filosofi baru. Setiap artis menambahkan cita rasa mereka sendiri ke dalam campuran. Tapi intinya
Sementara Dylan dan Mitchell menyempurnakan narasinya, di akhir tahun 60an dan 70an terjadi ledakan suara-suara berbeda yang membentuk sudut pandang mereka sendiri dalam lanskap folk-pop. Ini bukan hanya tentang satu atau dua raksasa. Itu adalah keseluruhan ekosistem introspeksi.
Para Penyair dan Mistikus
James Taylor tiba dari North Carolina dengan suara yang terasa familiar sekaligus aneh. Dia memadukan musik pegunungan Appalachian dengan pengakuan pribadi yang canggih dan sering kali samar tentang gangguan emosional. Musiknya membumi tetapi liriknya? Mereka masuk jauh ke dalam jiwa.
Lalu ada Randy Newman. Berasal dari keluarga komposer Hollywood, dia tidak hanya menulis lagu; dia menulis monolog dramatis yang ironis. Ia menyandingkan dunia musik Gustav Mahler, Stephen Foster, dan Fats Domino. Itu cerdas. Saat itu gelap. Itu adalah Newman.
Leonard Cohen mengambil jalan berbeda. Penyair asal Kanada yang menjadi penulis lagu ini memadukan gambaran alkitabiah dan erotis dalam lagu-lagu folk-pop yang bernuansa Timur Tengah. Dia tidak berusaha untuk dapat diakses. Dia berusaha untuk menjadi lebih mendalam.
Pemimpi dan Penentang
Joni Mitchell tak sekadar memuluskan alur narasi Dylan. Dia menghancurkannya. Lagu-lagunya memiliki keterusterangan dan kehalusan puitis yang belum pernah terjadi sebelumnya. Dia mendokumentasikan pencarian cintanya yang gelisah di zaman yang hedonistik dan bebas secara seksual. Pada pertengahan tahun 1970-an, ia membuka genre ini terhadap pengaruh jazz, membuktikan bahwa folk bisa menjadi kompleks, harmonis, dan mentah secara emosional sekaligus.
Tommy Rawlings Young (Tommy James? Tidak, tunggu. Teksnya mengatakan Young. Kemungkinan besar mengacu pada Tom Waits? Tidak, Waits datang kemudian. Ini mengacu pada Tommy James? Tidak. Teksnya mengatakan “Young… balada akustik mentah… hippie visioner.” Ini hampir pasti mengacu pada John Young? Atau mungkin Tommy James? Sebenarnya, dalam konteks kanon penyanyi-penulis lagu tahun 60an/70an bersama Dylan, Mitchell, Taylor, Newman, Cohen, Browne, dan Wainwright, “Young” agak aneh. Ini mungkin salah ketik untuk Young seperti dalam Neil Young? Ya. Neil Young melambangkan visioner hippie yang dengan susah payah melepaskan idealisme mimpinya dalam balada akustiknya yang mentah.
Van Morrison menciptakan alam mimpi samar yang diwarnai dengan mistisisme Celtic. Dia bernyanyi dengan diksi yang tidak jelas dan berseni. Anda lebih mendengarkan getarannya daripada kata-katanya.
Elit Pantai Timur dan Selebihnya
Carly Simon, menikah dengan Taylor pada tahun 1970-an, melambangkan kerinduan orang kulit putih, Pantai Timur, dan kelas menengah ke atas. Lagu-lagu folk-pop-nya blak-blakan. Mereka langsung. Mereka menangkap jenis frustrasi tertentu di pinggiran kota yang dirasakan oleh jutaan perempuan yang merasa terjebak oleh kemakmuran di sekitar mereka.
Sebaliknya, Cat Stevens (kemudian Yusuf Islam) adalah seorang mistikus hippie Inggris. Dia menulis meditasi folk-pop yang sangat khayalan namun cukup menarik. Karyanya indah tetapi sering kali tidak jelas bagi pendengar biasa.
Carole King merupakan sosok ibu bumi yang optimis dan berakal sehat. Sebagai penulis lagu profesional New York, dia membuatnya tetap sederhana. Lagu berbasis keyboardnya menggunakan akord Injil
Pemandangannya bukan hanya tentang bintang-bintang besar. Anda memiliki John Prine, penduduk asli Illinois yang mengarang cerita buatan sendiri seperti seorang ahli komik. Lalu ada Tom Waits. Seorang warga California yang sangat condong pada peran seorang hipster bersuara serak, hampir seperti orang suci beatnik di tahun-tahun berikutnya. Dan Anda tidak dapat membicarakan Waits tanpa menyebut Rickie Lee Jones. Dia adalah rekan wanitanya. Suite pop-jazznya membawa energi berlebihan yang sama seperti yang Anda dengar dari Carole King, meskipun dengan sentuhan berbeda.
Di Inggris, suasananya lebih gelap. Richard Thompson menulis balada realis sosial yang tidak berbasa-basi. Mereka pedas. Berputus asa. Sementara itu, Elvis Costello muncul di tempat kejadian. Album pertamanya dirilis pada tahun 1977. Dia membawa kemarahan dan skeptisisme punk rock ke dalam lagu-lagu yang sulit diurai. Sajaknya berbelit-belit. Dia mengeksplorasi situasi dari berbagai sudut daripada memberi Anda garis lurus.
Mengapa genre penyanyi-penulis lagu masih bertahan hingga saat ini
Masa pemerintahan penyanyi-penulis lagu klasik belum berakhir. Itu menjadi ramai. Punk dan disko melonjak pada akhir tahun 1970-an. Mereka mengambil alih gelombang udara. Namun genre ini tidak mati. Itu tetap stabil. Pasar untuk suara pribadi tidak hilang. Faktanya, hal ini terbukti sangat menguntungkan bagi segelintir orang terpilih.
Kita berbicara tentang suara-suara yang sangat khas dan sebagian besar perempuan. Seniman dengan tujuan artistik yang tinggi. Beberapa dari tujuan tersebut masih belum terealisasi. Itu tidak masalah. Penonton masih mendengarkan. Uangnya masih mengalir.
Siapa yang mendefinisikan bunyi tahun 1970an?
Jika Anda mencari siapa yang mendefinisikan bunyi tersebut, daftarnya singkat namun ampuh.
- John Prine : Dikenal karena cara bercerita yang terasa seperti percakapan sambil minum kopi.
- Tom Waits : Orang asing yang bersuara serak dan dipengaruhi jazz.
- Rickie Lee Jones : Suite pop-jazz yang menggemakan kedalaman Joni Mitchell.
- Richard Thompson : Komentar sosial yang dibungkus dengan karya gitar yang rumit.
- Elvis Costello : Energi punk bertemu dengan lirik sastra.
Artis-artis ini tidak hanya menulis lagu. Mereka menulis perspektif. Costello, misalnya, jarang memberi Anda satu kebenaran pun. Dia memberimu kebingungan saat ini. Thompson memberi Anda keputusasaan terhadap kelas pekerja. Prine memberimu humor dalam hal-hal biasa.
Dari mana asal artis-artis ini?
Geografi berperan. American Midwest memberi kami Prine. Pantai Barat memberi kami Waits dan Jones. Inggris memberi kami Thompson dan Costello. Setiap lokasi mempengaruhi nada. Midwest merasa membumi. The Coast terasa artistik dan bebas. Inggris merasa mendesak dan kritis.
Saat ini, Anda masih dapat mendengar gaung dari pendekatan ini. Pasar untuk suara-suara pribadi dan istimewa masih kuat. Ini bukan lagi tentang daya tarik massal. Ini tentang resonansi spesifik. Seniman perempuan terus mendominasi ruang ini dengan tujuan mulia. Beberapa mencapai kesuksesan komersial total. Yang lainnya tetap menjadi favorit aliran sesat. Keduanya merupakan jalur yang layak.
Genre ini tidak berakhir dengan punk dan disko. Itu beradaptasi. Ia menemukan ceruk pasarnya. Dan ceruk itu masih membuahkan hasil. Bagi mereka yang mendengarkan dengan seksama, itu masih ada. Menunggu
